奶茶37.2℃_吸血鬼鱼 艺术家作品鉴赏心得

1、顾恺之 顾恺之出世没多久，他的母亲就去世了。顾恺之因其他小朋友都有母亲，惟自己没有。他便缠着父亲不放，问：“我为什么没有母亲？”父亲说，你怎么会没有母亲呢？顾恺之穷追不舍：“那我的母亲长得什么模样？” 父亲只好耐着心思给他描述。顾恺之就是凭借父亲的描述，一次又一次地给母亲画像。每次画好之后，他都要问父亲像不像，父亲总是在肯定之后，表示遗憾。但顾恺之不气馁，仍然画笔不辍，只到父亲两眼放光，说“像，像极了”，他才满意地放下画笔。他的母亲就这样在他的心里永生了。 2、张僧繇 一天，张僧繇在金陵安乐寺的墙壁上画了四条龙。这四条龙张牙舞爪，形象逼真，但奇怪的是都没有画上眼睛。游客看了，觉得缺少神韵，很是惋惜，就请张僧繇把龙的眼睛补上去。张僧繇推辞说，画上眼睛，龙就会飞走。游客不信，都以为张僧繇在唬人。 大家一再要求，张僧繇只好提起笔来，轻轻一点。霎时间，只见雷鸣电闪，风雨交加，两条巨龙撞毁墙壁，腾云驾雾，凌空而起，飞向天空去了。没有画上眼睛的那两条龙，依然留在墙壁上。 后来比喻作文或话时在关键处加上精辟的语句，使内容更加生动传神。 3、展子虔 展子虔的绘画题材广泛，手法多变。他不仅善画人物、车马、山水、台阁，而且大都臻于精妙。在着色技巧上，他用青绿设色。 他的画法为唐代绘画名家李思训、李昭道父子所宗法。他所画之马，神采飞扬，十分有神。他所画“立马而有走势，其为卧马则有腾骧起跃势，若不可掩复也。”展子虔能够抓住马的瞬间神态，表现出整个绰约风姿，达到以形传神，以神带形，形神兼备，维妙维肖的艺术境界。 4、阎立本 阎立本成功地刻画了这些帝王们的个人性格，画中不仅表现了对他们的了解，并且表现了对于他们的评价。据史书记载，魏文帝曹丕博闻强识，才艺兼备；晋武帝司马炎深沉、有度量；北周武帝宇文邕粗野强梁，但很有策略能力。隋文帝杨坚表面平和，城府极深、多猜忌。 隋炀帝杨广美姿容，很聪明，但又浮夸好享受。陈文帝陈衍也是美姿容，有学识才干，很干练，这一切都和阎立本的绘画相符合。 5、吴道子 吴道子年幼家贫，外出谋生路经河北定州城外时，在“柏林寺”结缘一位老和尚，并拜其为师。 老和尚想画一幅《江海奔腾图》壁画，但是怎么都画不好。于是，老和尚带吴道子出游观察各地江河湖海，学习画水。三年过去了，吴道子画水很有长进。 回寺的第二天，老和尚竟病倒在床了。吴道子说：“师父，我愿替您画那幅《江海奔腾图》。”老和尚见十五六岁的吴道子，竟说出这样有志气的话，当下就答应了。整整九个月，吴道子不出殿堂，精心构思壁画。 直到深秋，吴道子才把这幅图画完，他对师父说：“师父，我已把《江海奔腾图》画出来了！请您去观看。”老和尚听后，病竟然全好了！老和尚站在殿门口，看着扑面而来的浪花仰天大笑，冲着吴道子说：“孩子，你画的这幅《江海奔腾图》成功啦！”

1987至2013年中华人民共和国国家一级美术师名录


北京市：

蔡 云（国画）赵准旺（国画）傅继英（工笔）薛林兴（国画）王成喜（书法）
姜成楠（国画）蔡玉水（国画）庄小雷（国画）徐楚德（书法）秦晓光（书法）
周京生（国画）

四川省：

郭汝愚（国画）杨晓亮（国画）

青海省：

杨明（国画）

山东省：

孔维克（国画）吕建德（书法）尹延新（国画）赵文成（国画）赵顺利（设计）
陈文进（版画）王书平（国画）常绍彦（国画）韦辛夷（国画）曾先国（国画）
薛 林（国画）温 光（国画）李颖华（国画）徐雪峰（国画）刘思谦（国画）

贵州省：

鲁 风（国画）沈德志（国画）王系松（国画）陈国梁（工艺）

内蒙古：

孙海晨（国画）范建春（国画）

山西省：

陈巨锁（书法）

北京
曲毓琦（书法）、赵准旺（国画）、傅继英（工笔）、薛林兴（国画）、贾文忠（书法）、姜成楠（国画） 、蔡玉水（国画）、庄小雷（国画）、徐楚德（书法）、秦晓光（书法）、周京生（国画）、李元茂（书法）、傅小冰（书法）、成立慧（国画）、汪碧刚（书法）、赵小石（国画）、蔡云（国画）、宋绍喜（国画）、王文甫（国画）、丁杰（油画）、冀冰（国画）、李晓轩（国画）、刘宝堆（书画）、李进（书画）、王晖（国画）、韩文博（书法）
上海
蔡超（国画）、丁观加（国画）、张森（书法）、罗昌（国画）、李建（国画）、沈从斌（国画）、汪云飞（国画）、林炳兴（国画）、左建华（国画）、杜信先（国画）、宋颖（书法）、张根宝（国画）、黄喜悦（国画）、孙健忠（国画）、敖崇武（国画）、李人雄（雕刻）
浙江
姜宝林（国画）、张洪庆（书法）、姚丹萍（工艺）、徐雄关（国画）、戴宏海（国画）、徐竹初（雕刻）、曹明华（国画）、杜庆国（国画）、金明华（国画）、金正惠（国画）、周文清（国画）、林秀明（国画）、李玲燕（油画）、潘文伟（书法）、何水法（国画）、吕维超（国画）、朱道平（国画）、李明（国画）、陶雪华（书法）、唐建中（书法）、樊国龙（书法）、陈文峰（书法）、方胜浩（国画）、章先怀（国画）、沈鉴铭（书法）、张满山（国画）、周振（国画）、邵黎明（书法）、夏明（书法）
甘肃
赵永夫（国画）、伯凤麟（国画）、周振东（国画）、王洁（书法）、牟水元（工美）、侯景耀（国画）、陈怀璧（国画）、李耀宗（书法）、孙红（工美）、杨剑锋（书法）、王青彦（书法）、廉奉儒（国画）、王淮仟（书法）、王金城（国画）、贾久桢（书法）、杨植霖（国画）、刘鸢（国画）
陕西
崔振宽（国画）、郭全忠（国画）、江文湛（国画）、张文祥（国画）、王天任（雕塑）、屈有善（国画）、王西京（国画）、赵振川（国画）、雷珍民（书法）、郭琳（国画）、李乃良（漫画）、赵益超（国画）、张明堂（国画）、薛铸（书法）、李富奎（油画）、郭钧西（国画）、吴三大（书法）、王子武（国画）、胡明军（国画）、董明江（国画）、杨品国（国画）、曹明华（国画）、胡艺顺（书画）、史汉北（国画）、樊君成（书法）、张杲（国画）、曳岚（国画）、孙捷（国画）、薛稳发（书法）、杨进禄（书画）、邱月茂（国画）、张山（书法）、索然（国画）、方明（书法）、黄强（书法）、司永禄（国画）、薛英辉（国画）、高大鹏（国画）、董国红（国画）、刘培江（国画）、徐宝林（书画）、尚建国（国画）、王西林（国画）、张群（国画）
湖北
丁竹君（国画）、蒋昌忠（国画）、杨坤炳（书法）、汤立（国画）、詹志峰（国画）、周石峰（国画）、金伯兴（书法）、罗国士（国画）、李乃蔚（国画）、吴庆林（国画）、施江城（国画）、汪国新（国画）、强琼（国画）、赵正有（书法）、许祥强（书法）、王三旗（国画）、刘德林（国画）、汤东霖（国画）、邓传林（国画）、黄壮（国画）、李劲江（国画）、郑大华（国画）、刘宇鹏（书画）、袁吉祥（国画）、朱诗光（国画）、周桂南（国画）、周韶华（国画）、冷军（国画）、徐勇民（国画）、吴惠良（国画）
河南
张清渠（国画）、赵家贵（国画）、李自强（国画）、杨百亮（国画）、张运（国画）、申志华（国画）、江秋生（绘画）、姜玉春（国画）、郭荣举（书法）、马跃华（国画）、李菊英（国画）、马万里（书法）、陈稳绩（书法）、王志全（国画）、柴新胜（书画）、陈又新（国画）、范东风（国画）、邵华（国画）、周同祥（国画）、王斐（国画）、沈宁波（国画）、王凤年（书画）、刘剑霞（油画）、栗玉柱（国画）、段传峰（国画）、王永刚（国画）、张化彦（国画）、刘亚丽（书法）、李明星（国画）、乔培楠（国画）、刘椿下（书法）、杜富远（国画）、范传福（书法）、李华（国画）、贾运武（国画）、姚西鸣（国画）、李增喜（国画）、牛耕（书法）、王凤岐（书法）、叶振勇（国画）、席胜利（书法）、段传峰（书法）、翟本宽（书法）、李火庆（国画）
安徽
柏龙华（水彩）、王涛（国画）、程宏月（国画）、朱宝善（国画）、汪敏（书法）、宋继华（国画）、刘夜烽（国画）、林亚兵（国画）、童乃寿（国画）、刘恒昌（国画）、黄晔（书法）、李荫（国画）、储昭生（国画）、吴其勇（国画）、章飚（版画）、陆鹤龄（国画）、王大仁（水彩）、李镇还（国画）、鲍加（油画）、叶泽洲（国画）、李爱平（国画）、陈志精（国画）、孙彩（国画）、马自强（国画）、陈金（书法）、方文采（国画）、汪碧刚（书法）、吴一天（油画）、叶智平（书法）、吴晓云（国画）、陈忠强（国画）、敖复兴（国画）、王林洪（国画）、王荣昌（国画）
湖南
徐楚德（书法）、杨福音（国画）、李潺（书法）、刘华先（国画）、聂干因（国画）、刘云（油画）、邹传安（工笔）、雷双（油画）、刘大明（书法）、王政（书法）、莫克展（国画）、钱海源（雕塑）、何满宗（书法）、雷宜锌（雕塑）、陆满松（国画）、邹传安（工笔）、何建强（书法）、曹湘秦（国画）、梁和生（书法）、周觉钧（国画）、石志文（国画）、姜堃（国画）、姜坤（国画）、李早（书法）、顾亚龙（书法）、谭涤夫（油画）、沈利萍（国画）、汤晓群（油画）、陈功浩（国画）、郭照明（国画）、曾鲁安（国画）、史一墨（国画）、肖闯（书法）
河北
康连顺（油画）、李秀锋（国画）、张济海（书法）、聂磊（书法）赵振川（国画）、胡晔明（书法）、孙传勇（书法）、唐洪胜（国画）、魏剑峰（国画）、刘志贤（油画）、金永亮（书法）、王世军（国画）、吕建文（国画）、宋鸿（国画）、季怀玉（书法）、魏健民（国画）、杨舟（油画）、刘振强（国画）、王少非（国画）、张靖国（国画）、赵德英（国画）、孟庆民（国画）、杨忠华（国画）、孙宏伟（国画）、刘鹏凯（国画）[2]
吉林
叶天废（国画）、关鉴（国画）、李广滨（国画）、宇文洲（国画）、梁岩（国画）、朱嘉凡（油画）、马云涛（工笔）、张鸿飞（国画）、王云鹏（油画）、孙维国（国画）、孙云天（国画）、路燕斌（国画）、朱嘉凡（油画）
四川
郭汝愚（国画）、汪天寿（国画）、杨晓亮（国画）、钱坤（油画）、罗中建（书法）、龚德江（工艺）、邱清春（国画）、赵磊（书法）、冉乾元（油画）、青山（油画）、贾雨（国画）、周毛新（书法）、杨盛（书法）、陈德恩（书法）、杨和平（国画）、龚书（国画）、冯明（油画）、谢长笑（油画）、刘洪（书画）、吴学均（油画） 、吴洪志（国画）
山东
孔维克（国画）、吕建德（书法）、岳本贵（国画）、赵文成（国画）、刘国明（书法）、陈文进（版画）、王书平（国画）、车振（国画）、韦辛夷（国画）、郑亚林（国画）、薛林（国画）、房宗基（国画）、李颖华（国画）、徐雪峰（国画）、刘思谦（国画）、黄学升（国画）、张广昌（国画 ）、方秀亮（国画）、李征（国画）、陈庆明（国画）、杨林兴（国画）、王谷成（书法）、李雯娴（国画）、国建庭（国画）、张坤山（书法）、温光（国画）、刘兴祥（书法）、马昭贤（书法）、华国良（国画）、马立勇（书法）、刘庆广（国画）、王东华（国画）、司书胜（书画）、赵玉亮（书法）、王信晓（书法）、戴永涛（国画）、刘啸泉（书法）、崔少堂（国画）、李根顺（国画）、张延信（国画）、李奉军（国画）、岳田（油画）、刘振波（国画）
贵州
鲁风（国画）、杨凡（书法）、王系松（国画）、陈国梁（工美）、沈宁波（国画）、沈德志（国画）、张军（书法）
内蒙古
孙海晨（国画）、范建春（国画）、康文磊（书法）、靳文艺（国画）、杨凌春（书法）、哈达（油画）、臧金龙（钢笔画）
山西
李元茂（书法）、陈巨锁（书法）、赵贵明（国画）、胡晓明（国画）、亢银中（书法）、郝景山（书法）、季帅刚（国画）、蒋仁义（国画）、杨喜元（国画）、赵维民（国画）、勾世杰（漆画）、王明照（国画）、王保雷（国画）
江苏
喻继高（国画）、言恭达（书法）、陈太明（国画）、孙晓云（书法）、蒋义海（国画）、秦剑铭（国画）、晏明（国画）、徐纯源（书法）、丁德源（国画）、施永成（国画）、卢星堂（国画）、俞进（国画）、沈启鹏（国画）、刘春杰（版画）、吴同椿（国画）、柏光林（国画）、王伟林（书法）、吴冠南（国画）、喻云程（国画）、徐惠泉（国画）、张杰（书法）、朱琴葆（版画）、王广明（工笔）、朱道平（国画）、张崇政（油画）、赵宗（国画）、尹石（国画）、周会杰（国画）、赵祥安（国画）、陆家衡（国画）、章炳文（书法）、黄学江（书法）、席耀良（国画）、姚新峰（国画）、胡晨（国画）、颜士玉（国画）、周晨阳（油画）、张兴来（国画）、黄中秋（国画）、张争平（国画）、孙照宏（国画）、孙玉兵（国画）、彭达（国画）、刘懋善（国画）、路朔良（紫砂）、孙年法（国画）、伍建丰（国画）、周一云（书画）、田野（书法）、张省（国画）、刘宪（书法）、陈公林（油画）、吴国庆（书法）、梁弘（国画）、郑斌（书法）、万永春（书法）、周勤芬（紫砂）、辅金玲（书法）、刘坤兴（国画）、古雪中（国画）、赵峰（书法）、朱淦（国画）、成元德（国画）、王炎（国画）、林晓（国画）、贾光明[2]（国画）
宁夏
刘正谦（书法）、胡正（国画）、赵忠字（国画）、王枰（国画）、吴善璋（书法）、马成义（书法）
海南
陈茂叶（国画）、朱东晓（国画）、吴东民（书法）、游小林（书法）、陈银平（国画）
江西
黄若澄（工美）、俞新民（国画）、冯林（工美）、张元华（书法）、贺梓金（书画）、钱荣（书法）、罗健罡（书法）、付春林（书法）、熊亚辉（油画）、廖根鸿（国画）、卢明星（工美）、耿淑芳（国画）
天津
高振远（国画）、张兆年（油画）、高晓笛（国画）、史玉（工笔）、戴玉萍（工笔）、谢锋（国画）、陈绍安（国画）、蒋宝义（国画）、王誉添（书法）、陈招全（书法）、孙占元（国画）、刘泮书（书法）、戴照林（国画）、张俊杰（国画）
广东
庞国华（彩绘）、唐大禧（雕塑）、陈永锵（国画）、徐子屏（书法）、董全福（书画）、周信雄（油画）、黄茂强（油画）、郑友深（国画）、张旭（国画）、刘德林（国画）、王海胜（国画）、刘永金（书法）、何卫东（国画）、李赞集（书画）、钟家勤（国画）、曾威（国画）、林浩锦（书画）、杨海峰（国画）、欧阳懿（国画）、许仁练（国画）、温锦云（国画）、刘海亮（国画）
福建
曾贤谋（国画）、陈立德（漆画）、陈奋武（书法）、卓成化（工美）、邓根法（油画）、黄朝财（国画）、吴孙英（国画）、郑金焕（国画）、林立中（国画）、陈夏（国画）、陈炳生（烙画）
辽宁
白国文（国画）、萧玉田（国画）、曹广福（国画）、崔瑛（书画）、史永志（国画）、刘忠泉（国画）、薛德海（国画）、孙敬群（油画）、王培学（国画）、王兰芝（国画）、张永生（国画）、李然（国画）、刘玉国（国画）
广西
续晋荣（国画）、张超文（水彩）、赵荣昌（国画）、覃绍殷（国画）、谢中平（国画）
云南
傅小冰（书法）、李文献（书法）、向进兴（国画）、杨照昌（国画）、黄河（国画）、吴杰（国画）、李文荣（书法）、王传斌（书法）、赵翰臣（国画）、许家盛（国画）
青海
杨明（国画）、赵君元（书法）、钟万明（书法）、徐喜荣（国画）、王太平（书法）、刘生云（书法）、张根建（书法）、李玉龙（书法）、董全洲（书法）、万显初（书法）、吴大千（国画）、陈文庆（国画）
黑龙江
姜作杰（国画）、王革滨（油画）、王誉添（书法）、高君（国画）、范喜伦（国画）、夏井林（国画）、许志广（国画）、王显灵（油画）、张立君（书画）、方元（国画）、胡勤林（书法） 、王瑞君（书法
陕西省：

崔振宽（国画）郭全忠（国画）江文湛（国画）张文祥（国画）王天任（雕塑）
屈有善（国画）王西京（国画）赵振川（国画）雷珍民（国画）郭 琳（国画）
李乃良（漫画）赵益超（国画）张明堂（国画）薛 铸（书法）李富奎（油画）
郭钧西（国画）吴三大（书法）王子武（国画）胡明军（国画）张 杲（国画）
杨品国（国画）曹明华（国画）胡艺顺（国画）史汉北（国画）樊君成（书法）

湖北省：

丁竹君（国画）蒋昌忠（国画）杨坤炳（书法）汤 立（国画）詹志峰（国画）
周石峰（国画）金伯兴（书法）罗国士（国画）李乃蔚（国画）吴庆林（国画）
施江城（国画）汪国新（国画）强 琼（国画）赵正有（书法）

河南省：

张清渠（国画）朱法鹏（指画）李自强（国画）刘均威（版画）王敬平（国画）
申志华（国画）刘万林（国画）黄志生（国画）柴建方（书法）马跃华（国画）
李菊英（国画）马万里（书法）

安徽省：

柏龙华（水彩）王大仁（水彩）章 飚（版画）朱宝善（国画）马自强（国画）
叶森槐（国画）刘夜烽（国画）陆鹤龄（国画）童乃寿（国画）刘恒昌（国画）
方贤道（国画）李 荫（国画）储昭生（国画）吴其勇（国画）程宏月（国画）

湖南省：

徐楚德（书法）杨福音（国画）李 潺（书法）曹明求（工笔）聂干因（国画）
刘 云（油画）邹传安（工笔）雷 双（油画）刘大明（书法）郭 关（国画）
莫克展（国画）钱海源（雕塑）何满宗（书法）雷宜锌（雕塑）陆满松（国画）
邹传安（工笔）曹湘秦（国画）刘华先（国画）汤晓群（油画）周觉钧（国画）
石志文（国画）姜 堃（国画）姜 坤（国画）李 早（书法）顾亚龙（书法）
谭涤夫（油画）沈利萍（国画）

河北省：

康连顺（油画）李秀锋（国画）赵振川（国画）张济海（书法）

吉林省：

叶天废（国画）关 鉴（国画）李广滨（国画）宇文洲（国画）梁 岩（国画）
朱嘉凡（油画）马云涛（工笔）张鸿飞（国画）王云鹏（油画）孙维国（国画）
孙云天（国画）路燕斌（国画）朱嘉凡（油画）

中国书画艺术，以期独特的艺术风格魅力而成为东方文明的辉煌典范之一，然而，由于它的历史、文化、社会背景与我们今天的实际生活有一定的距离，再加上不少作品在流传过程中受到多种因素的影向。如果不了解这些情况，在鉴赏书画作品的时侯，便无法把握它的艺术实质，如果想进一步对它的历史传承，真伪情况的判断，就会有无从下手之感。因此、掌握书画艺术欣赏是书画鉴定的重要基础之一。本文以欣赏和鉴定中国传统书画为主要内容，分段来介绍给广大网友，为网友提供在书画鉴赏时的一些方便。 欣赏书画艺术的基本方法 人们常说，书画欣赏是一种高级的精神享受 ，这是针对在欣赏书画艺术时所产生的一种心理变化的反应。因为在欣赏过程中，他将涉及到一些比较复杂的心理功能，如情感、想象、理解等等，而最终将期转化为对书画艺术的评价。这种评价，包括对作者艺术风格的理解和判断，对书画作品艺术特点的认识，以至对书画作品艺术价值的大致评估。而这些判断，认识、评估是在自已原有基础上的一种提升，从而达到一个新的艺术思想境界。这种高级的精神活动，是属于一种智力与知识的测验。也是欣赏者，通过对作品的欣赏，来达到对艺术作品的表达方式，和艺术思想的全面理解，如果从人类对艺术的感受来讲，它又是一种具有净化心灵、陶冶情操作用的精神享受。 中国书画艺术，同其他的造型艺术一样，其作品内容具有一定的说明性，而其表现手法则具有一定的装饰性，两者完美地结合在一起，就使作品产生了一定的艺术性。中国传统书画作品的内容，是产生于特定的社会坏境和文化背景中，因此，必然受到这些历史因素的制约，对于今天的观赏者来讲，要真正了解它，是有一定难度的。中国传统书画的装饰性，是依存于书画作的表现手法，主要通过中国书画所特有的多变的线条、点画、不同的设色、墨晕等等，来表现书画艺术的之美来感染欣赏者，而这些方面，虽无太多的历史局限性的一面，但也有受限于社会生活空间的一面。因此，我们今天欣赏传统书画的艺术，除了解其内容外，更多地是着重于这一方面。 通过欣赏可以了解作品的基本情况，包括所用的材料、使用的工具、笔法和设色的基本特点，但这只是对作品的“面貌”作一次大致的认识和了解，虽然这种认识和了解还很粗浅，却为进一步鉴赏打下了基础，这是很重要的“第一印象”作用。然后开始进入仔细观察、欣赏阶段。这是主要是对作品的表现手法、主题内容等进行仔细深入的分析，来获得对作品特点具体形象的认识和理解。接着是进入更深入的欣赏方法，这时要从以上对作品的认识理解中，继续寻找作品的表现手法与主题内容之间的有机联系，寻找书画家在创作中所流露的心境、情绪，及作品随之而体现的意境。这种欣赏，要求欣赏者调动多方面的知识、素养，由眼前的书画进而扩展到同一书画家的其他作品，或是其他书画家的类似作品，甚至是不同意境的作品，如此、都是对眼前这幅作品的特色和内涵的补充和深化。通过对作品的欣赏，来达到对作品的全面了解，同时为下一步的鉴定填定了基础。 艺术观点：艺术品被名家创作出来往往都经过一个复杂的过程，在这个过程中，名家们几乎投入了全部的精力，为了尽善尽美，他们废寝忘食。因此他们的作品更能让人产生共鸣，更能感动人，无论欣赏者从事什么职业，有什么样的背景，都会被作品中的艺术魅力所感染。 没有创新就没有艺术的发展，每个艺术家都有其自身的创作观和价值观，领悟和把握科学发展观，就是要树立独立思考深刻感受和执意创新的艺术信仰，并为之付出毕生的智慧、情感和力量。 艺术品市场不是艺术界，时于尚处初级阶段的中国艺术品市场，利大于艺的主导思想更多一些，因而在运作过程中作品本身的艺术价值演变成投资升值的借口也就不足为怪了。我赞同一位评论家的收藏结论———“从艺术角度我只选择值得收藏的作品，从升值角度我会首先选择购买其作品”。书画给人带来无尽的乐趣，书画作品给人一种艺术享受，更给人一种心灵的启迪和震撼，画广大人民群众喜欢的作品，做对人民有益的事情。欣赏书画可以提高个人的修养，书画家有发现美和创造美的技能，欣赏者要有领悟创作者心思的本领，艺术来源于生活,艺术家将我们司空见惯的事物，变作美妙的艺术，这中间付出了多少不为人知的心血和努力，真正懂得欣赏艺术的人，不会只看着它的价值有多少,最在乎它能否引起我们内心的共鸣。 以上供大家参考学习，望提问者采纳。

书画给人带来无尽的乐趣,欣赏书画可以提高个人的修养,书画家有发现美和创造美的技能,欣赏者要有领悟创作者心思的本领,艺术来源于生活,艺术家将我们司空见惯的事物,变作美妙的艺术,这中间付出了多少不为人知的心血和努力, 真正懂得欣赏艺术的人,不会只看着它的价值有多少,最在乎它能否引起我们内心的共鸣.

量宏

给你两篇参考：
1、
美术鉴赏课让我学到了许多，尤其是在欣赏古代绘画时。欣赏古代绘画，不能以现代的眼光去欣赏，而要结合历史，讲究意境、章法和笔墨。经过漫长的历史进程，美术的发展也越来越多元化。现代美术与古代美术有着本质的差别，现代的美术更多的带有现代的气息，现代画也十分地简明、易懂；而古代美术却让我们很难理解，以现代人的眼光，我认为古画看上去很难让人产生共鸣，必须与历史结合起来，才有所体会。古画也并不讲究进大远小的规律，以人物画为例，重点人物通常占的比例较大，次要部分占的比例较小。
学了美术鉴赏课，真让我受益匪浅，平常对生活粗略地观察也变得细心起来了。让我的文化素质和道德修养得到了提高，还学到了日常生活的一些小常识，让我时刻观察生活中的美，知识面也得到了拓展，短短的课堂可以让我学到如此多的知识。在这课堂上也让我感受到了大学的气息。


2、
　短暂的美术鉴赏课程就这么告一段落了，我仍有种意犹未尽的感觉。本学期，我选修了“美术鉴赏”这门艺术学科。原因其实很简单，我从小就非常喜欢美术方面的东西，对这些看似神秘的艺术形态十分好奇，很想从这课程当中得到一些艺术的知识与熏陶。通过对美术作品的鉴赏不仅可以学到美术知识，更重要的是可以培养创造美的能力。对我们的性格、感情、人生观和价值观等方面都有非常重要的意义，也可以培养我们的积极性和主动性，使艺术素养以及人文修养得到进一步的提升。
　　通过这几个星期的短暂学习，我收获良多。美术鉴赏使我开阔了眼界，也使我领略到了美术领域的独特魅力。人类生活的世界是极其广阔的，生活内容无比丰富，但对每个儿人来讲，不管他如何见多识广，也不可能体验到社会生活的一切方面。然而，借助于古今中外许多优秀的美术作品，却可以使我们形象地接触到许多人生与经历远远不能涉及的广阔领域。

美术鉴赏这门学问改变了人们的观看方式。美术鉴赏是运用自己的视觉感知、过去已经有的生活经验和文化知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。
欣赏一般局限于感知、想象、情感体验等感性认识方面。
而鉴赏是运用视觉感知以及其他器官的综合作用、生活经验和文化知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象。即从感性认识上升到理性的一种比较深刻的认识。
在美术鉴赏的基础上就能够产生一定的“美术批评”，自己根据一定的标准，对美术作品或美术现象所做出的理论分析和价值判断。
要在文化情境中来认识和理解美术，“情境”，即指影响各个时期美术的政治、经济、历史、文化等背景。美术作品中所反映的各种思想、观念，都与艺术家所受到特定的政治、经济、历史、文化等背景的影响有关。
1.感悟鉴赏:
感悟式鉴赏所要求的主要是从观看者自身的经验出发，充满想象力和激情地去欣赏美术作品。在欣赏过程中，可以任由思维驰骋而不受限制。这种鉴赏方式比较适合于写意性和表现性的艺术作品，因为这类作品所追求的不是客观地记录形象，而是通过主观化的形象处理来表达艺术家的情感。
2.社会学鉴赏:
应该意识到美术这种文化现象不是存在于真空环境之中，而是有着特定社会阶层和社会生活的烙印。要理解不同创作目的以及社会背景对艺术家的影响。这些因素不是单靠表面的观察就能完全了解的，所以社会学式鉴赏的核心在于探究、追问，了解作品的主题，发现作品的独特之处，并要了解一定的文化背景，积累一定的知识才能有很好的把握。
3.比较式鉴赏
比较式鉴赏的目的，是为了更好地把握每件作品的特色。俗话说，有比较才有鉴别。但在比较式鉴赏中，需要根据具体情况来分析。美术作品的好坏是可以通过比较来确定的；但在很多情况下，作品之间并不存在谁好谁坏的问题，仅仅是表现方式和风格上的不同而已。比较的内容主要是形式方面的，但根据这些形式方面的差异也可以引导我们去寻找原因，这就需要涉及一些社会的因素了。至于具体对比哪些内容，还需要依靠感觉的指引，所以比较的方法其实是几种鉴赏方式的综合运用。

经过一学期《美术鉴赏》课的学习，欣赏到了许多东西方不同类型的美术作品、绘画风格，对东西方美术的发展有了初步的了解，并从中感受到了东西方艺术的特点与异同。西方是以人作为艺术表现对象的主体，主体是人物，从古到今，都是这样。因此，在一个人身上，体现出的每一个时代的审美观点也不一样。比方从希腊、罗马时代到拉斐尔、提香、达•芬奇，这些人表现的人体是很古典的，很完整的。那么波提切利则不同了，他表现人体的韵律感、线、节奏，多方面地表现人体。因为时代不同，每个人的感受也不同：比方画人，达芬奇的《蒙娜丽莎》与凡高的《自画像》，都是肖像画，但两者就完全不一样了，同样的肖像，他们画得都很像，都达到了艺术的高峰，但是，每个人都不一样，每个时代的差异很大很大。另外，西方古代绘画都是以人为主题，树木、风景只是作为一种陪衬，作为一种背景，是次要的，到后来获得了独立的发展，才有了风景画、花卉等独立的画种。西方的大师画人物，也画风景、静物、肖像，对象只是作为启发他感受的一个材料，什么东西都可以感受，都可以入画，都可以进入到他的感情。在这个问题上东西有很大的区别。西方早期的风景画，也不是实际的写生，而是在室内闭门造车，画一个大概，因而不是太生动。西方真正的风景画，是印象派油画，真正是对景写生，画出自己不同的感受。每一种风景里面，早上、中午、晚上，即使同一个对象也不一样，这是很写实的。中国画的构图以山水风景为主，一般都是立幅的，山从下面开始，一层一层往上。它的构图比较雷同，可以归纳为四个字：起、承、转、合。“起”，往往都是从几棵树，或者一个沙坡，或者石头、水、亭子开始。“起” 之后，另外一个山来接过去，叫做“承”。“承”之后，因为很长，要适应这个画面，那么要变化，叫“转”，扭曲一下。转到最后，要“合”。这是中国山水画构图的四个字。我们看东西，远景、中景比较丰富??因为远了，形象丰富、重叠，而近的东西则单调。 ...

《清明上河图》是一幅具有历史价值的风俗长卷。作者通过对清明节日北宁都城汴梁（今开封）
和以虹桥为中心的汴河两 岸各阶层人物活动情景的描绘，集中反映了这一历史时期社会生活的一些
侧面。翰林张择端（公元十二世纪），山东诸城人，是北宋末期职业画家，曾在画院任职，擅长画人
物、楼阁、舟车等。图中所绘城廓市桥屋庐之远近高下，草树马牛驴驼之大小出没，以及居者行者，
舟车之往还先后，皆曲尽其意态而莫可数记，全幅场面浩大，内容极为丰富。画家用高度概括和集中
的手法，广泛而细致地描写了各种复杂的社会形象和民俗风貌。《清明上河图》这一不朽杰作，无论
从绘画艺术价值或从历史价值而言，皆堪称国之瑰宝。
《清明上河图》长525厘米，宽25.5厘米，其中计有人物684个，牲畜96头，房舍122座，轿子8
顶，舟船25只，树木124棵。


《清明上河图》画卷，北宋风俗画作品。传世名作、一级国宝。《清明上河图》是中国绘画史上最著名的作品之一，不但艺术水平高超，而且围绕着它还流传下来许多有趣的故事。

作者张择端，字正道，东武(今山东诸城)人。宋徽宗时为宫廷画家。少年时到京城汴梁(今河南开封)游学，后习绘画，尤喜画舟车、市桥、郭径，自成一家。《清明上河图》是张择端的代表作，曾经为北宋宣和内府所收藏。绢本、淡设色，高24．8厘米，长528．7厘米，原作现藏北京故宫博物院。

《清明上河图》以精致的工笔记录了北宋末叶、徽宗时代首都汴京（今开封）郊区和城内汴河两岸的建筑和民生。该图描绘了清明时节，北宋京城汴梁以及汴河两岸的繁华景象和自然风光。作品以长卷形式，采用散点透视的构图法，将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画面中，画中人物500多，衣着不同，神情各异，其间穿插各种活动，注重戏剧性，构图疏密有致，注重节奏感和韵律的变化，笔墨章法都很巧妙。全图分为 三个段落。



首段，汴京郊野的春光：

在疏林薄雾中，掩映着几家茅舍、草桥、流水、老树、扁舟。两个脚夫赶着五匹驮炭的毛驴，向城市走来。一片柳林，枝头
刚刚泛出嫩绿，使人感到虽是春寒料峭，却已大地回春。路上一顶轿子，内坐一位妇人。轿顶装饰着杨柳杂花，轿后跟随着骑马
的、挑担的，从京郊踏青扫墓归来。环境和人物的描写，点出了清明时节的特定时间和风俗，为全画展开了序幕。

中段，繁忙的汴河码头：
汴河是北宋国家漕运枢纽，商业交通要道，从画面上可以看到人烟稠密，粮船云集，人们有在茶馆休息的，有在看相算命的，
有在饭铺进餐的。还有"王家纸马店"，是扫墓卖祭品的，河里船只往来，首尾相接，或纤夫牵拉，或船夫摇橹，有的满载货物，
逆流而上，有的靠岸停泊，正紧张地卸货。横跨汴河上的是一座规模宏大的木质拱桥，它结构精巧，形式优美。宛如飞虹，故名
虹桥。有一只大船正待过桥。船夫们有用竹竿撑的；有用长竿钩住桥梁的；有用麻绳挽住船的；还有几人忙着放下桅杆，以便船
只通过。邻船的人也在指指点点地象在大声吆喝着什么。船里船外都在为此船过桥而忙碌着。桥上的人，也伸头探脑地在为过船
的紧张情景捏了一把汗。这里是名闻遐迩的虹桥码头区，车水马龙，熙熙攘攘，名副其实地是一个水陆交通的会合点。

后段，热闹的市区街道：

以高大的城楼为中心，两边的屋宇鳞次栉比，有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、公廨等等。商店中有绫罗绸缎、珠宝香料、
香火纸马等的专门经营，此外尚有医药门诊，大车修理、看相算命、修面整容，各行各业，应有尽有，大的商店门首还扎“彩楼
欢门”，悬挂市招旗帜，招揽生意，街市行人，摩肩接踵，川流不息，有做生意的商贾，有看街景的士绅，有骑马的官吏，有叫
卖的小贩，有乘座轿子的大家眷属，有身负背篓的行脚僧人，有问路的外乡游客，有听说书的街巷小儿，有酒楼中狂饮的豪门子
弟，有城边行乞的残疾老人，男女老幼，士农工商，三教九流，无所不备。交通运载工具：有轿子、骆驼、牛马车、人力车，有
太平车、平头车，形形色色，样样俱全。绘色绘形地展现在人们的眼前。

总计在五米多长的画卷里，共绘了五百五十多个各色人物，牛、马、骡、驴等牲畜五、六十匹，车、桥二十多辆，大小船只
二十多艘。房屋、桥梁、城楼等也各有特色，体现了宋代建筑的特征。张择端的《清明上河图》是一幅描写北宋汴京城一角的现
实主义的风俗画，具有很高的历史价值和艺术水平。

绘画史上名为《清明上河图》的画幅很多，但真本毕竟只有一幅。经过众多学者、专家对这一专题的研究，大家意见基本一
致，都认为现藏北京故宫博物院的这幅是北宋张择端的原作。其它的同名画作，均为后来的摹本或伪托张择端的臆造本。

《男子肖像》

毕加索自1900年起经常走访巴黎，到了1904年决定定居于此。从宗教生活与文化品味向来自外于欧洲大陆的西班牙，到资本主义横行的大都市，让毕加索眼界大开。

1901年，毕加索的好友卡萨吉玛斯(Carlos Casagemas)自杀了，这个忧伤的经验后来被描绘成《卡萨吉玛斯之死》。孤独与异乡人的心境，使毕加索的绘画主题渐渐转向穷人。他在画面中呈现出来的贫困并非来自农村生活，而是某种“巴黎式的困顿”，混杂了城市边缘人与酗酒、堕落的形象。这些阴郁的主题及色彩，使得1901至1904年这段期间的作品被称为“蓝色时期”的创作。

《男子肖像》是这个时期的代表作之一，除了色调较为统一之外，毕加索也开始强调线条的运用，包括五官的刻画已不再具有圆润的立体感，眉毛和眼睑则直接以曲线描绘，背景墙上悬挂的画作则更明显地大量运用线条勾勒。

艺术是一种审美的意识形态，它的反映本质是审美的而不是科学的。是一种不同于科学的反映，是拟人化的反映，即它的反映是体验的、形象的，而不是抽象的、概念的。从哲学和科学角度说艺术是人类表达真理的一种特殊形式；从政治学角度说艺术是阶级斗争的工具；从社会角度学说艺术是对现实生活的反映；从心理学角度识艺术是人类心理需求的补偿形式；从伦理学角度说艺术是道德情感的净化和完美人格的塑造；从工艺学角度说艺术是技艺等。都是自觉不自觉地将艺术变成了哲学科学、政治学、心理学、社会学、伦理学、工艺学等的附庸。艺术不直接与政治、科学、宗教、道德、法律对话，而是通过美学与他们对话。艺术是艺术家审美意识的物化和结晶，是艺术家审美创造的产物。艺术家通过艺术不是要表达他的政治意识、哲学意识、道德意识等其他意识形式的，表达这些意识有比艺术这种形式更便捷、更准确、更适当、更纯粹的形式，艺术是为了表达审美意识而创造的。艺术的主要目的是为了满足人们的审美愉悦，为人们提供美感享受而创造的，因此艺术的目的是为了满足人们的身心和谐的自由体验而创造的，至少遵从一个愉悦的原则。艺术的功能是以审美为中心，兼有认识、教育、娱乐等作用的价值系统，艺术的功能应该主要为我们提供审美愉悦的。艺术描绘以人为中心，换言之，艺术的对象是以人为中心的社会生活，卢卡奇在《审美悟性》中认为，审美的真理由自我认识和对世界的认识构成一个循环，“认识你自己”的冲动把人们引向世界，使人们转向外部，对社会和自然有所认识，这种对客观现实的追求同时使人们认识到他自己本质的最深层。从写人到写社会，从写社会到写理想之间存在着无限的往复运动，相互支撑，相互深化。艺术不仅说是一种观念形态的东西，又是一定的物质媒介，不仅是精神创造活动，还涉及到技能技巧，不仅是静态的认识深化过程，被动接受生活的过程，更是随着深入生活，不断对生活提出理想要求并在现实中追求它、实现它的实践过程。艺术家不仅是生活的理性关照者、守护者，更是介入生活的实践者、创造者，因此艺术是物质与意识的统一，是思想与技艺的统一，是认识与实践的统一

艺术欣赏心得体会 马卡连柯说：“只有学会用15种乃至20种音调来说‘到这里来’的时候，只有学会在脸色、姿态和声音的运用上做出20种风格韵调的时候，我才变成了一个真正拥有表达技巧的人。” 马卡连柯说的“表达技巧”，就是言语的艺术，既表达的艺术。可以说，没有哪种职业能比当老师的更需要讲究表达艺术的了。我对自己的要求是讲课（包括谈话、交流）要自然、口语化， 除了个别情况要求慷慨激昂，来点抒情，带点“文学色彩”以外，多数情况下是娓娓道来。这样，学生听起来会感到亲切，容易理解，容易接受。我总是根据讲课内容的感情基调和学生听讲的状况和情绪来调整自己的语调、语速，并决定讲话的轻重和缓急。即使学生听得十分专心，也注意语调、语速的变化，因为用一种语调、语速说话，学生容易疲劳。 课堂上，有是需要老师讲，每个环节之间需要老师来“勾连”。凡当讲的，我都写在备课本上。需要“接惑”的，则一字一顿地把每个字送到学生的耳朵里，让学生听清楚、听明白；需要“渲染”的，则浓墨重彩，使自己的讲略带一点“诗意”。精当的、精彩的讲，也是一种资源，既使学生对个别的字眼可能听不懂。凡是讲到重要的、关键的地方，我总是组织一下教学，有时是提个醒儿，有时只要说一声“同学们”，有时则什么也不说，只用目光环视一下全班学生。这些看起来很细微的地方，其实都是一种艺术。马卡连柯说的“脸色”、“姿态”，就是我们今天说的“伴随语言”，即 “体态语”。这一点非常重要。同样一句“到这里来，”由于脸色不一样，姿态不同，意思就大不相同。试想一下：微笑着、右手掌心朝上微微向侧面一伸说“到这里来”和扳着面孔、右手掌心朝下向侧面一伸说“到这里来”，给人的感觉一样吗？截然不同的！ 作为课堂教学的组织者和引导者，老师的提示与批评、表扬与激励等手段会伴随整个教学过程，老师在这方面不知要说多少话。批评和表扬也要讲究 艺术。一位学生答错了，一位学生答对了，如果说“你错了，他对了。”这样就太直白，说错的学生会有些难堪。如果说：“他答对了，但要是没听你发言，他的答案不会这么快就出来。”这样讲，说错的人肯定心里会舒服一些。同样是肯定学生的朗读，笼统地说“读得很有感情”，就不如说“听了你的朗读，我们的心情很沉重”、“你把ＸＸ谈活了你仿佛把我们带到了XX地方”。第斯多惠说的“教学艺术的本质不在于传授的本领，而在于唤醒、激励与鼓舞”，是很有道理的。学生需要激励，而激励是要讲究艺术的。 老师的讲是表达，朗读也是表达——替作者表达。朗读是赋作品以生命，是再创在造，也是一种艺术。我备课时首先备“朗读”，而且我认为这是最重要的环节之一。我常常说，老师把课文读好了，读得有声有色、声情并茂，把文字读活了，就可以胸有成竹地进课堂。课堂上，常常因为我们师生之间的入情入境的朗读而充满活力，充满情趣。听有感情的朗读是一种享受。 课堂教学不但需要老师会讲、善读、而且要求我们擅长表演。教学中，我有时和学生表演一个故事情节，有时和学生分角色读一段对话，因而使语文教学趣味盎然，大大激发了学生学习的兴趣。当然，这种表演要适度，不能滥。演的目的为了是帮助学生理解，是为了“助读”——在理解的基础上，把课文 读得更好。 有人说，字是人的“第二张脸”。对于老师来说，这“第二张脸”太重要了。在老师的影响下，我从小就喜欢写字，喜欢书法。至今，一有空闲，还提笔练字。备课时，我总忘不了备“字”——把每个生字，照着书上的正楷字，认真临写，直至自己满意。到了高年级，我有时板书用行草，目的在于引导学生关注行书、草书。常用的字如能教会学生用行书、草书去写，将为他们今后的学习带来方便。而且会启迪他们关注、热爱书法艺术，引领学生学会欣赏汉字的多种书体。 在语文教学中，我还经常画简笔画。小时侯喜欢画画，读中学、师范时，又喜欢国画。小时侯打下的绘画基础，在语文教学中派上了用场。教描写花鸟虫鱼的课文和一些描写人物的课文，我常常几笔将其勾勒出来，起到了很好的直观效果，学生很喜欢。看图作文我都是自己画图，有时直接画在黑板 上，既便捷，又赢得学生的赞许和佩服。 说话的艺术、朗读的艺术、表演的艺术、书法的艺术，还有绘画的艺术哪里来？一句话：来自老师的艺术修养。艺术修养会对一个人的情操、品格、气质、言谈举止以及审美眼光产生重大影响，这是毋庸质疑的。一个具有一定艺术修养的人，一张口、一出手、一投足就会自然地流露出来。没有一定的艺术修养，连一篇课文都难读好，哪里还谈什么教学艺术呢？不懂一点书法，压根儿不知何谓“颜体”，何谓“魏碑”的人，怎么能为学生写一手好的板书呢？ 至于怎样提高教师的艺术修养，不是三言两语能说清楚的，而且不是本文所要论述的重点，这里就不谈了。我们做语文老师的，如果既有较扎实的语文功底，能遵循学习语文的规律去教语文，又有一定的艺术修养，那么，我们的语文课一定会上的有意思，一定会取得好的教学效果。

--学习书法的体会
对书法的热爱，我练习了大约十几年的书法；正因为喜欢书法艺术，并且希望进一步感受美，感受水墨线条以及字型结构的艺术魅力，我来到了考场；提升自我的素质，把书法的美传播给更多的朋友们，我选择书法学习。
我知道，如果写书法的学习体会，从很多方面可以写。譬如：字之结构，行文布局，碑帖历史渊源，古今书论……但是,此刻我感觉到，书法不仅仅是一门技法，它是体现和体会着的美的艺术形式。通过书法这一载体,创作者和欣赏者互相获得了美。而这不同层次的美，又反映了彼此之间的修养和心境。对书法学习的体会我想从两个层次来描述。即书法的艺术美和书法的境界修养。以下就是我的一些肤浅的书法学习体会。
书法的艺术性
艺术是人类的创造物。书法作品有着实用性和表现力。从象形文字到草书，我们的汉字经过了一系列的抽象。古人变革书体最首要的目的就是实用和方便。书体的演变存在着继承与创新。创新性是艺术得以发展的动力之一。从纵向来说，篆、隶、楷、行、草五种书体即联系又有着巨大的差异。每种书体存在着不同的章法。从横向来讲，每一种书体又存在着不同的风格。就楷书而言，最著名的几种风格要数颜欧柳赵。行书又有行楷和行草。书体和字体的横纵向发展，极大地丰富了书法艺术。书体和字体从实用角度来说体现了一种规范性。比如说学习写字当然是选择好的范本进行临摹。好的范本作为规范被继承下来。这样淘汰了一些相对差的字体。所以中国书法从实用美学角度创造出了一些用笔技法和间架结构。虽然这些给人感觉相对教条，但是它为我们写好书法，欣赏书法提供了一些依据。
书法是一门艺术。艺术除了表达内容也表达内容之外的一些信息。我喜欢颜真卿的《祭侄文稿》。颜字的风格是大气磅礴。体现着盛唐的气魄。我们知道这篇祭文稿祭奠的是书家的侄子，而作者当时正作为集结各路英雄的盟主与叛军安禄山作战。他的侄子正是在与叛军作战中战死沙场。此时作者有着三种情感。对失去侄儿的悲痛，对叛军的痛恨，对战胜叛军的足够信心。这些情感全都寄托于这篇著名的文稿，同时也反映在文稿的书法艺术性中。我们可以从他的这篇名作内容和书法中感受到了他感情的汪洋恣肆。成为“天下第二行书”一点也不夸张。正是通过书法的实用性和表现性推动了书法的艺术创造力和艺术情感。通过创作书法和欣赏优秀的书法作品达到互相沟通的艺术效果。
书法美的认识
美是一种感受。在书法中，不同书体和字体，在一定程度上体现着不同类别的美。《颜勤礼碑》，我感觉到雄健之美。字不大，但是饱满，充实，仿佛雄健的盛唐武士，威严敦厚。唐人书《灵飞经》给人以娟美秀丽的感觉，仿佛出水芙蓉。而张旭的狂草又有舞蹈的动感。有些书法作品运用了枯笔，给人以沧桑之美。仿佛一棵老树，历经了风霜，虽然树枝有着种种班驳，但是还是在枯笔中体现着顽强……人们欣赏着不同的美，带来了不同的美的感受。
书法与心境的关系
书法的确是靠练出来的。元朝赵子昂日书万字。而练字过程中就会有感受。不管性格外向还是内向，只要拿起笔，就要把心与书融合一起。现代社会十分浮躁，诱惑也多。从事的事情很多。书法创作如果存在一点杂念，可能就会影响到书法作品的气韵。王羲之的《兰亭序》是行书作品中的至尊。我认为魏晋时期的文人有着一种逍遥，一种天性的解放。竹林七贤在会稽山吟诗对联，游玩山水，喝酒畅谈。没有这样的心情解放，没有宽松的心境，也就没有这千古名篇《兰亭序》，也就没有“天下第一行书”。虽然看不到王羲之的真迹，但可以从双钩的《神龙兰亭序》中依稀感受到作者要表达的一种畅快淋漓的感受。这种感受通过文字书法传递了一千多年。而且永远传递下去。有着怎样的心境就会有怎样的艺术表现。但前提是本身有着扎实的艺术基础。
书法与人品修养的关系
艺术的一种境界就是欣赏美，创造美。而欣赏和创造美的同时也达到了人品修养的提升。书法也一样。艺术是相通的。而欣赏美的眼睛是靠在艺术环境中熏陶出来。虽然字写的好坏与人品修养没有直接的联系，但是书法艺术，能够提升一个人的品位。一个有品位的人必定会在各个方面表现良好，包括写字方面。根据马斯洛（Maslow.A.H）需求层次理论，大多数人都有一种自我实现的需要和倾向。书法技能在达到一定的层次，技法和技术相对不再重要了，而书法与其他艺术的融合，与自己内心的融合更显重要。所以从古至今书品与人品存在一定的联系。这实际上也是一种价值取向的问题。从这个意义上来说，书法艺术的提高，越到后来越与一个人的修养有关。人品修养包括了为人处事，生活的态度，对美的理解，对艺术的鉴赏等等。知识的融会贯通，心境宽广,爱，一向为书者的高境界。而相对存在一些杂念或者有私心，可能会阻碍好的作品创作，体现不出独有的风格。而广博的知识以及良好的治学态度是书法艺术发展的源泉和动力。因为事物是发展着的。事物之间存在着联系。我们可以从广博的知识中获取创作书法的灵感。也通过知识的积累以及其他艺术的学习和鉴赏，获取其中的营养。通过强化练习毛笔字是可以把字写好。而专一地强化，可能就成为技术，而不是艺术。每种艺术越是到后来越是体现一种修养，心境。而哗众取宠，过分的展示技术，我认为与艺术无关。
书法学习当然存在着一些艰辛。可能学习书法要花费许多玩的时间。对于我这样一个年轻人来说是兴趣还是一种追求的问题。是兴趣就作为修身养性。而追求却是另一种态度了。今后的路是会怎样的发展，我不知道。但是对于书法艺术的追求，我想艰辛和付出从另一方面来说是一种快乐。

　　美术鉴赏课走进大学校园是为了更好的培养大学生，提高大学生的素质，最根本的问题是要提升大学生的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。
　　第一：美术鉴赏有益于大学生灵魂的雕铸和人格的完善。艺术教育注重开发和挖掘人自身的潜能，并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识，不断提升人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。人的全面发展，正如恩格斯所认为的那样，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是一专多能的素质型发展。鉴于此，大学生的艺术素养已经日益融入时代的潮流之中，倍受人们的重视与关注。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕铸和人格完善的全面发展中起着重要的作用。
　　第二：满足大学生的审美需要，提高和培养审美能力。在美术鉴赏课上，通过大量地、广泛地鉴赏优秀艺术作品，就会逐渐具有和提高感受美、理解美的能力了。这里不单单是提高学生的鉴赏水平问题而是如何发展学生的价值取向问题。提高学生对美术意义的认识，培养我们正确的审美理想，健康的审美情趣，提高对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力。
　　第三：陶冶大学生的思想情操、提高大学生的精神境界。通过美术鉴赏对美和艺术增进理解，无疑对提高文化素质和思想境界，都会产生不可估量的作用。
　　第四：帮助大学生开阔眼界，扩大知识领域。在这种鉴赏活动中，是美术作品为我们提供了种种与他人产生共鸣的经历与感受，能够以一种艺术的眼光和态度看待周围的一切事物，并获得一种全新的洞察力。
　　第五：美术鉴赏可以娱情怡神，激发想象力培养创造性。通过鉴赏不仅使人视觉愉悦、心情舒畅，更在于美术作品都是通过点、线、面、色彩、空间、肌理等形式组成，所以画面上的节奏感、韵律感会对人的视觉产生影响，进而使人产生联想。因而，当我们在鉴赏美术作品时，不管是遇见那些赏心悦目的写实作品，还是一些现代派艺术家的抽象作品，都会使我们获得一种喜悦与满足。对美术作品鉴赏的过程中，也更能促进身心健康的发展，陶冶情操激发创作热情与创造能力。
　　总之，作为美育的重要组成部分，大学美术鉴赏课的开设，对提高大学生的素质，培养创新精神和实践能力，塑造健全人格具有不可替代的作用。通过美术鉴赏课的学习发展大学生形象思维，培养创新精神和实践能力；树立正确的审美观念，培养高雅的审美品位，提高人文素养，提高感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力，促进德智体美全面发展。为培养文明合格的下一代，具有重要的意义。