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- 3,学艺术字
- 4,怎么练艺术字
- 5,求一篇1500字左右的中国美术作品赏析
- 6,艺术作品欣赏 1000字左右
- 7,中国著名书画家的故事
- 8,当代中国书画名家有哪些
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1,跪求:莫奈《日出印象》 的鉴赏文1000字左右
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《日出·印象》是莫奈描绘勒阿弗尔港口的一个多雾的早晨的景象:海水在晨曦的笼罩下,呈现出橙黄或淡紫色。天空的微红被各种色块所渲染,水的波浪系由厚薄、长短不一的笔触组成的。三只小船在薄涂的色点组成的雾气中显得模糊不清。船上的人或物依稀能够辨别,还能感到船似在摇晃缓进。远处的工厂烟囱,大船上的吊车……这一切,是画家从一个窗口看出去画成的。如此大胆地用"零乱"的笔触来展示雾气交融的景象。这对于一贯正统的沙龙学院派艺术家来说乃是艺术的叛逆。该画五年前被抢劫,据法国被盗艺术品侦缉处1990年12月6日宣布,最近已在科西嘉岛一座别墅中查获。
《日出·印象》展出后,受到社会的公开攻击。那位以"印象"来讽刺这幅画的《喧噪》周刊的记者路易·勒鲁瓦,本来是以此指责莫奈"对美与真实的否定",可是这个名称从此竟彪炳画史,变成了极富号召力的光辉符号。在"印象主义"一词中,贬义内涵已消失殆尽,尽管当时展厅上的70幅画连一半也没有卖出去。
此画作于1872年,有50.5×60厘米大。由于它在印象派画史上的意义,此画习作也就长期被看成是一幅完成之作了。
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莫奈及睡莲画
读印象派画家的画册,在莫奈的“睡莲”画前沉思。
相信读画的人都会沉入那片暗绿的池塘,静静地屏息、默想、轻叹,悄悄走过,再频频回头。
目光是那流动的水,自己已成那朵梦中的花……那些“睡着”又“醒着”的花,烙印般烙在观者的脑中,久久开着。
莫奈生活中的睡莲池在他巴黎郊外的花园里。这个花园名木奇花,缤纷多彩,光影色彩成就华美丰茂的景象。莫奈喜欢睡莲,园中本没有池塘,他精心设计,请人挖就。池塘完工,池水淙淙,通向花园各处。他还请人在池上造了日本式的小桥。花木和小桥倒影在水中,有特别的光色。莫奈清早起来,就来到花园,向他的各种花草树木问好。这一年他60岁。
60岁了,想起画那幅《日出印象》时,是多么年轻!那幅勒哈佛尔日出景象的画作,曾遭到学院派画家大肆抨击,评论家讽刺“日出印象”不像真正的画,而称之为“印象主义”。“印象”这个贬低的词语,不久却传开,成为一个画派的称号。后来莫奈功成名就。
睡莲在池塘里盛开。绿叶浮在水面。花朵挺出水面。色彩鲜艳,蕴含清香。莫奈在池边支起几个画架,以最迅捷的方式捕捉光影色彩的变化,把瞬间的视觉光效展现在画布上。
他画布上的睡莲,有各种形状各种色彩:有浓荫背景下花叶的姿态,有蓝色雾中朦胧的花影,有色彩绚丽的线条细描,也有只见色块不见轮廓的狂放写意……所有的睡莲都空灵美丽。
后来,已经60多岁的莫奈,觉得花园的景象越来越模糊了。莫奈的白内障已经很严重了。视力的减退对一个画家是致命的打击。年老,精力不济,视物昏花,这是否意味着画家艺术生涯的终结?此时的他可以在他的花园里安享晚年,他的成就足以使他在艺术史上留名了。莫奈却不肯放下画笔。时间飞逝,生命已是短暂,他还要在画布上留下色彩。他设计修了个由天花板透光的大画室,继续画大幅的睡莲画。有时,他只靠颜料锡管上的标签号码确定色彩,凭着以往对色彩的强烈记忆来继续画画。
暮年老人,凭着执着追求,还是换来巴黎一年一度画展上的成功。
83岁时,他终于做了白内障手术,手术非常成功,他又能看到大自然缤纷的色彩了!
光和影依然在眼前跳跃,他要留住最美丽的色泽。
他晚年完成的睡莲画,画面景象更抽象,画风更具浪漫品质。
生命融入艺术,画中的一切就有了生命。
艺术不只是技巧的表现,更是作者心血的凝聚。我们在莫奈的“睡莲画”前,看到经过提炼的幻美的大自然,也看到了艺术家圣洁的心灵。
诗人马拉美有这样的诗句:
“……它深浓的白,
包含这样一个空无不可及的梦,
包含一种永不存在的快乐,
我们所能做的只有继续屏息,
向那幻影致敬……”
我们在画作前,有同样的感受。我们向画中的幻影致敬,向莫奈的艺术创造致敬。
《睡莲》是莫奈晚年的作品,以令人叫绝的技法,在垂直的平面上描绘出波光粼粼的水面向远处延伸的视觉效果。在大师的笔下,睡莲的 叶子是纯绿色的,而花朵却像暗红的火焰。看似随意的彩色线条笔触柔美,似乎让水流动起来,又像是捉住了一瞬间水面似真似幻的光和影。参观者站在画旁,就如同伫立在池塘旁边,竟能领略到“接天莲叶无穷碧,映日莲花别样红”的唐诗意境。记起Proust的文字:“稍远些的水面上,片片睡莲簇拥在一起,犹如一座浮动的花坛,仿佛花园里那些蝴蝶花搬到了这儿,蝴蝶那般把蓝得透亮的翅膀停歇在这座水上花坛的斜面上……傍晚当它宛若某个遥远的海港,披着夕阳那玫瑰色的、梦幻般的霞光,不停地改变着色彩,以便始终跟色泽比较固定的花冠周围的那种在时光里隐匿得更深的、更奥妙的东西――那种存在于无限之中的东西――显得很和谐的时候,开在这片水面上的睡莲,就像是绽放在天际的花朵。”
睡莲开在水里,淡定从容的伸向天空,没有纷扰,无忧无虑的仰望苍穹。《睡莲》,可以说是莫奈一生对光与色表现的总结。
3,学艺术字
艺术字是经过专业的字体设计师艺术加工的汉字变形字体,字体特点符合文字含义、具有美观有趣、易认易识、醒目张扬等特性,是一种有图案意味或装饰意味的字体变形。艺术字能从汉字的义、形和结构特征出发,对汉字的笔画和结构作合理的变形装饰,书写出美观形象的变体字。
要想学好艺术字,得先有画画设计等基础,那样学才不会太吃力
4,怎么练艺术字
首先你要弄清书法与签名是两个既有联系又有区别的不同的概念,简单地说,书法是要写好每一个字,而签名只要写好两三个字最多四个字就可以了;书法要遵循一定的章法,而签名更多的是注重艺术性、标识性;书法是写字,签名则是三分写七分画。从这点来说,画好自己的签名并不一定需要多高的书法基础,只是有书法基础的画起来更容易些,所以没有书法基础的朋友也不必有畏难情绪。
至于你提到的“最简单的学习方法”,就是描写和临摹。描写就是把设计师为你设计好的签名打印下来放在玻璃板下面,用笔在上面描画;临摹就是在描写熟了以后,照着画。练好一款签名,如果集中时间静下心来来练习,应该用不了一两个小时。但为了熟练掌握,也不要忽视平时的练习。希望我的回答对你有所帮助,祝你成功!
步骤/方法
1
先练好真书----即正楷字。
2
其次练好行书、行楷或行草。
3
其三再去练习草书,这个才是写好签名的关键性的一步。
4
借助软件。网上有很多这样的软件可以免费下载来使用,只要输入名字,会自动生成各种字体。优点是:简单方便,不用自己动脑动手了,缺点是:容易千篇一律。
5
自己构思、手工设计。这种需要你自己设计了,优点是:独一无二,不会雷同,有个性。缺点是:需要有书法等基础,需要花费时间精力。
6
对名字进行组合形成符合一定美学原则的字,这就是最高境界。
7
8
说明:至于设计,除了有书法的功底(主要是行书和草书),建议你还要学习一些美术字、艺术字和造型艺术等,同时,网上有一些提供签名的相关网站,你可以去多浏览,多学习借鉴,看得多了,思路会受到启发,进步就快了。
END
注意事项
艺术签名也是一种艺术,决不允许随心所欲乱画。
5,求一篇1500字左右的中国美术作品赏析
赏析
在”扬州八怪”中,金农为首屈一指的领头人物.他并不精于画技,却又什么都画,其强项墨梅以及由此生发的双钩兰花\墨竹等不说,蔬菜\水果\鳞介\荷花\芍药,甚至山水\鞍马\人物,几乎是无所不涉及.本不怎么会画画的金农,于画画有出奇的胆量,原因有二:一是当时的文坛上金农的诗文名声显赫,金农的书法,尤其是隶书和他独创的”漆书”,也令人仰慕不已,这要归功于他画外的修养与高超的绘画造诣.出重金求购的金农巨商们,不在乎他画什么,怎么画和画得如何,这都成全了金农的心有所思,手有作为,不存顾忌地把自己的心境\情绪\性格\品味一一真切地移入纸上.二是他有几位颇能画画的捉刀手{主要是他的学生落聘}.纵观金农的画作,凡是奇崛冷峻\生拙朴实的,均是他的亲笔.而略有眼板\熟里夹生的那些,则是代笔.有趣的是:这幅金农的,是赠友之作,不为换金乞米,没有必要倩人捉刀.自画像的难度,要高于一般的人物画.平时不作肖像画的金农,在形似上步履蹒跚的金农,竟然达自己肖像的主意,他对绘画的无所顾忌可说到了极致.
是金农七十三岁的作品,.屈指算来,他涉入画坛,已二十年有余了,尽管不计较画法上的得失,这二十多年的涂抹,也应存些经验,懂些门道,能画出些摸样来了.他取侧而避正,是从易弃难的经验,他就简而去繁,用纯粹的白描,发挥笔法和概括力强的优势,是扬长舍短的门道.虽然头部比例和身首的比例失调,头部的结构也不准确,眉\眼\鼻\嘴颚以及须髯的各部件有拼凑的痕迹,握杖的手更是生疏得无形可言,但由于种种失调\种种不准确,倒是端正了情趣-------金农特有的生拙生钝趣;由于是拼凑,出现了貌略似而神相合的境界----气韵生动.此图的白描手法高明,变化细微,这正是他多年修炼的铁线篆笔在画上的反映,线条细劲空灵,刚中见柔,柔中有刚,可口允可咀,耐人寻味.漆书长跋,在说了一大段历代肖像的故事后,转入字画像,说自己”用水墨白描法为写三朝农民七十三岁像,衣纹面相,作一笔画.陆探微,吾其师之.图成远寄乡之旧友丁钝丁隐君.隐君不见余近五载矣!能不思乎?他日归江上与隐君杖履相接高呼揽胜,验吾衰容,尚不失山林气象也’.文字情真意切.丁钝丁即篆刻西冷八家之首的丁敬,是金农的同乡密友.
6,艺术作品欣赏 1000字左右
书法欣赏并非象有些人说的那样玄妙莫测,更不象一些人认为的那样,欣赏书法就是好孬之分的简单评说。具体来讲,它是主观审美意识(欣赏者)活动于客观形态(书法作品)之上的互动感应过程。
书法作品一经产生,它的艺术价值就已是客观存在的,其艺术价值的高低与否,完全取决于欣赏者审美程度的高低。同一件作品,本身的艺术价值不变,只是由于欣赏者的改变而改变,专业书法家的欣赏是一个层次,非专业的爱好者欣赏则又是一个层次,正所谓仁者见仁,智者见智。这说明由于欣赏者受审美学识的不同、时代环境的改变等多种因素的影响,而享受美感的程度也就各不相同。咎其原因是多方面的,为此笔者以多年学书经历来浅谈一些有关欣赏的感想。
一、书法艺术与自然科学不同
书法欣赏不能象搞科学那样,以公式或定义来解析它、证明它。如1+1的问题,答案只有一个,无论有多少人计算,其结果是相同的,而书法则不然,同一件书法作品有无数个欣赏者欣赏,而得到的艺术感受却是无数个的审美结果,高低不等,参差不齐。
二、欣赏者的审美观各不相同
在书展上欣赏每一件书作时,常听到的话语是这件不行,那件还可以;这件很好,那件不好的简单评价。如同在夜市吃油炸臭豆腐一样,爱吃的人以为香,不爱吃的人则以为很臭,感觉截然不同,这就是典型的以个人嗜好兴趣做出的审美选择。
简单地说书法艺术欣赏无非是一个好、差、美、丑的问题,如若两个人各执已见,去欣赏同一件书法作品,由于个人的兴趣爱好不同,甚至可以争论上三天三夜,谁也说服不了谁,这种嗜好和兴趣的不同,是与学识、修养、性情、环境、地位以及所处的时代,都有直接的影响因素。
三、书法艺术的审美领域有许多地方难以辨析
在欣赏过程中,所使用的审美表述词语及其倾向性难以清界。如豪放与粗野、厚重与笨拙、宽博与疏朗、朴拙与呆板、剑拔弩张与雄伟豪放、流畅与浮滑等等,所有这些表述欣赏的词语中,都存在着点点差异,导致了欣赏的优劣悬殊,难有准确的界线赏读。
四、由于欣赏者对书法艺术的解读程度不同,其欣赏的深度也就不同
这点对于欣赏者的互动交流是至关重要的,我们常说:“内行看门道,外行看热闹。”再如观看棋赛,“妙着”的出现,观众不一定都有理解,程度高的,则马上叫绝;程度稍低的,要想一想才可意会;而程度差的,必须看上几步之后,才逐渐领悟;再差的观众,则恐怕到了局终的时候还是不理解。再例如:宋代的苏东坡,在欣赏黄山谷的书法时,曾戏称:“黄山谷的书法,如同冬日的死蛇挂树”;而黄山谷则反称苏东坡的字:“叫做石压蛤蟆”。他们之间的书法戏语,其真正的意味,对于一般人来说是不可能理解的。再有,我最近到一位油画老师家中做客,谈画之中,先生说了一句非常耐人寻味的话语:“我快到七十岁了,现在才晓得一点用色了”,这句话也着时让我思考一段时间。试想,他从开始学习油画那天起,就无时不在接触颜色,画到现在难道他真的不会用色吗?所以,对书法艺术了解的程度多少,决定着欣赏者的审美水平的高低。
通过上面的分析可知,书法艺术的欣赏,因受各种因素的影响,其审美结果是绝对不一样的。除上述影响的因素外,那么欣赏有没有相对的、不绝对的统一标准和原则呢?我想还是有的,如同钟表的钟摆一样,在左右摆动的最大值之间存在着一个相对稳定的空间值,这个空间值就是相对认可的标准。
南齐书法家王僧虔曾说:“书之妙道,神采为上,形质次之,兼之者方可绍于古人……”这段文字实际上揭示了书法创作中的形与神的辨证关系。形质就是纸面上所展示的一切审美活动,是物质的、表象的,它包括作品的形式、章法、结构、点画、墨色、轻重、缓急、落款、打章。而神采是作者通过形质来表现自己的性情美感,是精神的、意识的,它包括书法家创作时所倾注的学识修养、心态情感、审美趋向和气韵生动。
下面笔者从形质与神采两部分来作以详为分析,以便于老年学员的书法欣赏。
一、形质体现神采
我们欣赏书法不仅仅是得到艺术美的享受,而且通过书法作品还可体味到作者的创作心态、性情的自然流露,书法形质的实际创作,还为欣赏者提供了交流书艺的互动平台。
1、形式尺幅的创作使用要得体
欣赏一件书法作品时,首先进入视觉的是作品的形式,其尺幅运用的恰当与否,给欣赏者带来的直接反应是,欣赏是否继续。例如,四尺对开的竖幅长条,用来创作立轴条幅是比较美的,若用来创作七言对联则显得纸宽字小、上下联主体内容的两侧留白则显得较多,与主体内容字的大小不相称;如若以此来创作五言对联则审美效果就不同了,其主体内容与整体尺幅就比较得体,纸的宽窄与字的大小比例以无失调之感;若要以此创作七言联的话,则上下联的尺幅宽度应各减少5公分,或不减少宽度,也可增加同宽度的对联长度,即:在四尺对开的长度基础上再加长1尺或2尺,这样两种长度的创作审美与原先的截然不同。倘如再注重色宣、洒金宣的运用其效果更佳。
2、章法布局要有疏密
欣赏书法作品,除形式尺幅之外,进入视觉印象比较深的就是章法布局了,就以六尺对开的条幅章法为例,来创作一幅行草书,首先根据字数来确定行数、行距,以及落款的长短,都要恰到好处。书写八句五言诗40个字分三行,在第三行留出半行作为落款、打章的位置,然后将40个字分两行半作为创作的尺幅,既要考虑到留白、又要考虑到疏密度,就向古人说的那样:“密不透风,疏可跑马。”这疏处留白就是整幅作品的“通气孔”,如同建房子,除房门外,还要有窗户,其留白就是“窗户”。
3、笔法结字变化应丰富有重点
一件书法作品的美丑与否是与其点画笔法的精良度有直接的关系,占画的入笔与收笔要到位,不能有未写完的感觉,它们之间的引带呼映应自然,线条要颈健圆润,粗细长短要适中,使笔画的精微之处,更能体现笔法的丰富性,近而促进了整幅整行的错落有致,使结构笔画的变化随类赋型,各具特色。错落如扶老携幼;参差若楼观飞惊;雄伟如壮士荷戟;安祥若忠厚长者;雄强飞动如龙跳天门,虎卧凤阁;妩美典雅若天女散花,金花遍地,如此的结字,才能使欣赏者神往不尽。
4、整幅墨色变化要自然
墨色的变化,最早引入书法艺术领域并运用自如的书画家,应首推明代书画家董其昌,他成功地将绘画中的浓淡干湿、墨分五彩的理念应用于书法之中,一改前朝用墨习惯,浓处很浓、淡处有墨,飞白之处,枯而不燥,使整幅作品中的韵味无穷。继董其昌之后将用墨变化推向顶峰的,当为清代的王铎,他与董氏最大的不同点是将墨色变用于连绵不断的草书之中,他以娴熟的草法运笔将个人的性情表现随着笔墨的自然流露,由浓重的入笔一直写到飞白枯墨处,依然有笔有墨,有骨有肉,使欣赏者随着王铎的运笔,而笔走龙蛇,婉如走进了墨分五色的诗情画意之中,把玩再三,爱不释手。
二、神采决定形质
每一件书法作品的创作,都倾尽了书法家当时的最佳心态的审美趋向,使欣赏者通过字里行间的笔墨流露,去体味书家的学识修养、审美气韵和心性情感,这就是作品的气韵神彩。下面从三个方面浅谈一下有关神采气韵的欣赏。
1、学识修养
学识修养的积累对于每一位书法家来说都是必须的,尤其是书法方面的知识,如书法文字学、书法哲学、书法理论和笔墨纸的使用规律等等,都直接影响着书法水平的发挥,例如,在欣赏作品时,若出现了“硬伤”错字、白字或简化字、繁体字共存时,其艺术含量就大打折扣,即使其他方面做的比较好,也弥补不了它的遗憾,更谈不上什么美感了,所以,书法作品创作一般意义上讲必须使用繁体字,切不可使用白字,更不能用简化字,因为这种规定是约定俗成的,是书法界共同认可的。而造成这种后果的原因,就是不了解文字学和书写不规范造成的,加之内容选择的典雅与否也直接影响欣赏者的情感互动。
2、审美趋向
欣赏书法作品,不仅注意形质的学识修养的欣赏,而且通过字里行间也可欣赏到作者的审美意识,如典雅的、质朴的、豪放的、爽丽的都一一展现在作品之中,通过其点画型态的自然表述,而美感尽现,如点如坠石、横若阵云、竖有向背、转同折钗等等都给人以想象的空间,美的享受,使审美趋向更加人性化。
3、气韵生动
气韵生动的艺术表现,来源于笔法的丰富,结构的变化,墨色的浓淡飞白的运用,尤其是字与字之间,行与行之间呼映关系,在笔法精熟的基础上,气随笔走,韵从意来,加之浓淡干湿的发挥,轻重缓急的节奏,高低起伏的韵律美而尽展笔端。例如:在一幅作品中若有“神、中、千”三个字,每字中都有主笔画长竖,匀可发挥长写,然一幅作品中长线条的发挥只可两处,并且是一长一短,一正一斜,一浓一淡,前面已有两处可发挥的闪光点(精采部分或精采笔画),若行字的长竖再次发挥的话就与前面的两处长竖有重复之感,从视觉效果来讲,不仅三处长笔画的发挥,不能给整幅作品带来美感,而且还降低了作品原有的艺术含量,如果将“千”字与前面两处中的“千”字作以调换,“中”字作草化处理,改为“千”的表现展示。这样随着整幅作品的上下引带关系的加强,审美气韵也随之体现出“小桥流水人家”的流动美感和“入木三分”、“力屈万夫“的力量美感,给人以“精、气、神”的完美体现,以达到韵超千古的崇高境界。
7,中国著名书画家的故事
1、顾恺之 顾恺之出世没多久,他的母亲就去世了。顾恺之因其他小朋友都有母亲,惟自己没有。他便缠着父亲不放,问:“我为什么没有母亲?”父亲说,你怎么会没有母亲呢?顾恺之穷追不舍:“那我的母亲长得什么模样?” 父亲只好耐着心思给他描述。顾恺之就是凭借父亲的描述,一次又一次地给母亲画像。每次画好之后,他都要问父亲像不像,父亲总是在肯定之后,表示遗憾。但顾恺之不气馁,仍然画笔不辍,只到父亲两眼放光,说“像,像极了”,他才满意地放下画笔。他的母亲就这样在他的心里永生了。 2、张僧繇 一天,张僧繇在金陵安乐寺的墙壁上画了四条龙。这四条龙张牙舞爪,形象逼真,但奇怪的是都没有画上眼睛。游客看了,觉得缺少神韵,很是惋惜,就请张僧繇把龙的眼睛补上去。张僧繇推辞说,画上眼睛,龙就会飞走。游客不信,都以为张僧繇在唬人。 大家一再要求,张僧繇只好提起笔来,轻轻一点。霎时间,只见雷鸣电闪,风雨交加,两条巨龙撞毁墙壁,腾云驾雾,凌空而起,飞向天空去了。没有画上眼睛的那两条龙,依然留在墙壁上。 后来比喻作文或话时在关键处加上精辟的语句,使内容更加生动传神。 3、展子虔 展子虔的绘画题材广泛,手法多变。他不仅善画人物、车马、山水、台阁,而且大都臻于精妙。在着色技巧上,他用青绿设色。 他的画法为唐代绘画名家李思训、李昭道父子所宗法。他所画之马,神采飞扬,十分有神。他所画“立马而有走势,其为卧马则有腾骧起跃势,若不可掩复也。”展子虔能够抓住马的瞬间神态,表现出整个绰约风姿,达到以形传神,以神带形,形神兼备,维妙维肖的艺术境界。 4、阎立本 阎立本成功地刻画了这些帝王们的个人性格,画中不仅表现了对他们的了解,并且表现了对于他们的评价。据史书记载,魏文帝曹丕博闻强识,才艺兼备;晋武帝司马炎深沉、有度量;北周武帝宇文邕粗野强梁,但很有策略能力。隋文帝杨坚表面平和,城府极深、多猜忌。 隋炀帝杨广美姿容,很聪明,但又浮夸好享受。陈文帝陈衍也是美姿容,有学识才干,很干练,这一切都和阎立本的绘画相符合。 5、吴道子 吴道子年幼家贫,外出谋生路经河北定州城外时,在“柏林寺”结缘一位老和尚,并拜其为师。 老和尚想画一幅《江海奔腾图》壁画,但是怎么都画不好。于是,老和尚带吴道子出游观察各地江河湖海,学习画水。三年过去了,吴道子画水很有长进。 回寺的第二天,老和尚竟病倒在床了。吴道子说:“师父,我愿替您画那幅《江海奔腾图》。”老和尚见十五六岁的吴道子,竟说出这样有志气的话,当下就答应了。整整九个月,吴道子不出殿堂,精心构思壁画。 直到深秋,吴道子才把这幅图画完,他对师父说:“师父,我已把《江海奔腾图》画出来了!请您去观看。”老和尚听后,病竟然全好了!老和尚站在殿门口,看着扑面而来的浪花仰天大笑,冲着吴道子说:“孩子,你画的这幅《江海奔腾图》成功啦!”
8,当代中国书画名家有哪些
1987至2013年中华人民共和国国家一级美术师名录
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赵永夫(国画)、伯凤麟(国画)、周振东(国画)、王洁(书法)、牟水元(工美)、侯景耀(国画)、陈怀璧(国画)、李耀宗(书法)、孙红(工美)、杨剑锋(书法)、王青彦(书法)、廉奉儒(国画)、王淮仟(书法)、王金城(国画)、贾久桢(书法)、杨植霖(国画)、刘鸢(国画)
陕西
崔振宽(国画)、郭全忠(国画)、江文湛(国画)、张文祥(国画)、王天任(雕塑)、屈有善(国画)、王西京(国画)、赵振川(国画)、雷珍民(书法)、郭琳(国画)、李乃良(漫画)、赵益超(国画)、张明堂(国画)、薛铸(书法)、李富奎(油画)、郭钧西(国画)、吴三大(书法)、王子武(国画)、胡明军(国画)、董明江(国画)、杨品国(国画)、曹明华(国画)、胡艺顺(书画)、史汉北(国画)、樊君成(书法)、张杲(国画)、曳岚(国画)、孙捷(国画)、薛稳发(书法)、杨进禄(书画)、邱月茂(国画)、张山(书法)、索然(国画)、方明(书法)、黄强(书法)、司永禄(国画)、薛英辉(国画)、高大鹏(国画)、董国红(国画)、刘培江(国画)、徐宝林(书画)、尚建国(国画)、王西林(国画)、张群(国画)
湖北
丁竹君(国画)、蒋昌忠(国画)、杨坤炳(书法)、汤立(国画)、詹志峰(国画)、周石峰(国画)、金伯兴(书法)、罗国士(国画)、李乃蔚(国画)、吴庆林(国画)、施江城(国画)、汪国新(国画)、强琼(国画)、赵正有(书法)、许祥强(书法)、王三旗(国画)、刘德林(国画)、汤东霖(国画)、邓传林(国画)、黄壮(国画)、李劲江(国画)、郑大华(国画)、刘宇鹏(书画)、袁吉祥(国画)、朱诗光(国画)、周桂南(国画)、周韶华(国画)、冷军(国画)、徐勇民(国画)、吴惠良(国画)
河南
张清渠(国画)、赵家贵(国画)、李自强(国画)、杨百亮(国画)、张运(国画)、申志华(国画)、江秋生(绘画)、姜玉春(国画)、郭荣举(书法)、马跃华(国画)、李菊英(国画)、马万里(书法)、陈稳绩(书法)、王志全(国画)、柴新胜(书画)、陈又新(国画)、范东风(国画)、邵华(国画)、周同祥(国画)、王斐(国画)、沈宁波(国画)、王凤年(书画)、刘剑霞(油画)、栗玉柱(国画)、段传峰(国画)、王永刚(国画)、张化彦(国画)、刘亚丽(书法)、李明星(国画)、乔培楠(国画)、刘椿下(书法)、杜富远(国画)、范传福(书法)、李华(国画)、贾运武(国画)、姚西鸣(国画)、李增喜(国画)、牛耕(书法)、王凤岐(书法)、叶振勇(国画)、席胜利(书法)、段传峰(书法)、翟本宽(书法)、李火庆(国画)
安徽
柏龙华(水彩)、王涛(国画)、程宏月(国画)、朱宝善(国画)、汪敏(书法)、宋继华(国画)、刘夜烽(国画)、林亚兵(国画)、童乃寿(国画)、刘恒昌(国画)、黄晔(书法)、李荫(国画)、储昭生(国画)、吴其勇(国画)、章飚(版画)、陆鹤龄(国画)、王大仁(水彩)、李镇还(国画)、鲍加(油画)、叶泽洲(国画)、李爱平(国画)、陈志精(国画)、孙彩(国画)、马自强(国画)、陈金(书法)、方文采(国画)、汪碧刚(书法)、吴一天(油画)、叶智平(书法)、吴晓云(国画)、陈忠强(国画)、敖复兴(国画)、王林洪(国画)、王荣昌(国画)
湖南
徐楚德(书法)、杨福音(国画)、李潺(书法)、刘华先(国画)、聂干因(国画)、刘云(油画)、邹传安(工笔)、雷双(油画)、刘大明(书法)、王政(书法)、莫克展(国画)、钱海源(雕塑)、何满宗(书法)、雷宜锌(雕塑)、陆满松(国画)、邹传安(工笔)、何建强(书法)、曹湘秦(国画)、梁和生(书法)、周觉钧(国画)、石志文(国画)、姜堃(国画)、姜坤(国画)、李早(书法)、顾亚龙(书法)、谭涤夫(油画)、沈利萍(国画)、汤晓群(油画)、陈功浩(国画)、郭照明(国画)、曾鲁安(国画)、史一墨(国画)、肖闯(书法)
河北
康连顺(油画)、李秀锋(国画)、张济海(书法)、聂磊(书法)赵振川(国画)、胡晔明(书法)、孙传勇(书法)、唐洪胜(国画)、魏剑峰(国画)、刘志贤(油画)、金永亮(书法)、王世军(国画)、吕建文(国画)、宋鸿(国画)、季怀玉(书法)、魏健民(国画)、杨舟(油画)、刘振强(国画)、王少非(国画)、张靖国(国画)、赵德英(国画)、孟庆民(国画)、杨忠华(国画)、孙宏伟(国画)、刘鹏凯(国画)[2]
吉林
叶天废(国画)、关鉴(国画)、李广滨(国画)、宇文洲(国画)、梁岩(国画)、朱嘉凡(油画)、马云涛(工笔)、张鸿飞(国画)、王云鹏(油画)、孙维国(国画)、孙云天(国画)、路燕斌(国画)、朱嘉凡(油画)
四川
郭汝愚(国画)、汪天寿(国画)、杨晓亮(国画)、钱坤(油画)、罗中建(书法)、龚德江(工艺)、邱清春(国画)、赵磊(书法)、冉乾元(油画)、青山(油画)、贾雨(国画)、周毛新(书法)、杨盛(书法)、陈德恩(书法)、杨和平(国画)、龚书(国画)、冯明(油画)、谢长笑(油画)、刘洪(书画)、吴学均(油画) 、吴洪志(国画)
山东
孔维克(国画)、吕建德(书法)、岳本贵(国画)、赵文成(国画)、刘国明(书法)、陈文进(版画)、王书平(国画)、车振(国画)、韦辛夷(国画)、郑亚林(国画)、薛林(国画)、房宗基(国画)、李颖华(国画)、徐雪峰(国画)、刘思谦(国画)、黄学升(国画)、张广昌(国画 )、方秀亮(国画)、李征(国画)、陈庆明(国画)、杨林兴(国画)、王谷成(书法)、李雯娴(国画)、国建庭(国画)、张坤山(书法)、温光(国画)、刘兴祥(书法)、马昭贤(书法)、华国良(国画)、马立勇(书法)、刘庆广(国画)、王东华(国画)、司书胜(书画)、赵玉亮(书法)、王信晓(书法)、戴永涛(国画)、刘啸泉(书法)、崔少堂(国画)、李根顺(国画)、张延信(国画)、李奉军(国画)、岳田(油画)、刘振波(国画)
贵州
鲁风(国画)、杨凡(书法)、王系松(国画)、陈国梁(工美)、沈宁波(国画)、沈德志(国画)、张军(书法)
内蒙古
孙海晨(国画)、范建春(国画)、康文磊(书法)、靳文艺(国画)、杨凌春(书法)、哈达(油画)、臧金龙(钢笔画)
山西
李元茂(书法)、陈巨锁(书法)、赵贵明(国画)、胡晓明(国画)、亢银中(书法)、郝景山(书法)、季帅刚(国画)、蒋仁义(国画)、杨喜元(国画)、赵维民(国画)、勾世杰(漆画)、王明照(国画)、王保雷(国画)
江苏
喻继高(国画)、言恭达(书法)、陈太明(国画)、孙晓云(书法)、蒋义海(国画)、秦剑铭(国画)、晏明(国画)、徐纯源(书法)、丁德源(国画)、施永成(国画)、卢星堂(国画)、俞进(国画)、沈启鹏(国画)、刘春杰(版画)、吴同椿(国画)、柏光林(国画)、王伟林(书法)、吴冠南(国画)、喻云程(国画)、徐惠泉(国画)、张杰(书法)、朱琴葆(版画)、王广明(工笔)、朱道平(国画)、张崇政(油画)、赵宗(国画)、尹石(国画)、周会杰(国画)、赵祥安(国画)、陆家衡(国画)、章炳文(书法)、黄学江(书法)、席耀良(国画)、姚新峰(国画)、胡晨(国画)、颜士玉(国画)、周晨阳(油画)、张兴来(国画)、黄中秋(国画)、张争平(国画)、孙照宏(国画)、孙玉兵(国画)、彭达(国画)、刘懋善(国画)、路朔良(紫砂)、孙年法(国画)、伍建丰(国画)、周一云(书画)、田野(书法)、张省(国画)、刘宪(书法)、陈公林(油画)、吴国庆(书法)、梁弘(国画)、郑斌(书法)、万永春(书法)、周勤芬(紫砂)、辅金玲(书法)、刘坤兴(国画)、古雪中(国画)、赵峰(书法)、朱淦(国画)、成元德(国画)、王炎(国画)、林晓(国画)、贾光明[2](国画)
宁夏
刘正谦(书法)、胡正(国画)、赵忠字(国画)、王枰(国画)、吴善璋(书法)、马成义(书法)
海南
陈茂叶(国画)、朱东晓(国画)、吴东民(书法)、游小林(书法)、陈银平(国画)
江西
黄若澄(工美)、俞新民(国画)、冯林(工美)、张元华(书法)、贺梓金(书画)、钱荣(书法)、罗健罡(书法)、付春林(书法)、熊亚辉(油画)、廖根鸿(国画)、卢明星(工美)、耿淑芳(国画)
天津
高振远(国画)、张兆年(油画)、高晓笛(国画)、史玉(工笔)、戴玉萍(工笔)、谢锋(国画)、陈绍安(国画)、蒋宝义(国画)、王誉添(书法)、陈招全(书法)、孙占元(国画)、刘泮书(书法)、戴照林(国画)、张俊杰(国画)
广东
庞国华(彩绘)、唐大禧(雕塑)、陈永锵(国画)、徐子屏(书法)、董全福(书画)、周信雄(油画)、黄茂强(油画)、郑友深(国画)、张旭(国画)、刘德林(国画)、王海胜(国画)、刘永金(书法)、何卫东(国画)、李赞集(书画)、钟家勤(国画)、曾威(国画)、林浩锦(书画)、杨海峰(国画)、欧阳懿(国画)、许仁练(国画)、温锦云(国画)、刘海亮(国画)
福建
曾贤谋(国画)、陈立德(漆画)、陈奋武(书法)、卓成化(工美)、邓根法(油画)、黄朝财(国画)、吴孙英(国画)、郑金焕(国画)、林立中(国画)、陈夏(国画)、陈炳生(烙画)
辽宁
白国文(国画)、萧玉田(国画)、曹广福(国画)、崔瑛(书画)、史永志(国画)、刘忠泉(国画)、薛德海(国画)、孙敬群(油画)、王培学(国画)、王兰芝(国画)、张永生(国画)、李然(国画)、刘玉国(国画)
广西
续晋荣(国画)、张超文(水彩)、赵荣昌(国画)、覃绍殷(国画)、谢中平(国画)
云南
傅小冰(书法)、李文献(书法)、向进兴(国画)、杨照昌(国画)、黄河(国画)、吴杰(国画)、李文荣(书法)、王传斌(书法)、赵翰臣(国画)、许家盛(国画)
青海
杨明(国画)、赵君元(书法)、钟万明(书法)、徐喜荣(国画)、王太平(书法)、刘生云(书法)、张根建(书法)、李玉龙(书法)、董全洲(书法)、万显初(书法)、吴大千(国画)、陈文庆(国画)
黑龙江
姜作杰(国画)、王革滨(油画)、王誉添(书法)、高君(国画)、范喜伦(国画)、夏井林(国画)、许志广(国画)、王显灵(油画)、张立君(书画)、方元(国画)、胡勤林(书法) 、王瑞君(书法
陕西省:
崔振宽(国画)郭全忠(国画)江文湛(国画)张文祥(国画)王天任(雕塑)
屈有善(国画)王西京(国画)赵振川(国画)雷珍民(国画)郭 琳(国画)
李乃良(漫画)赵益超(国画)张明堂(国画)薛 铸(书法)李富奎(油画)
郭钧西(国画)吴三大(书法)王子武(国画)胡明军(国画)张 杲(国画)
杨品国(国画)曹明华(国画)胡艺顺(国画)史汉北(国画)樊君成(书法)
湖北省:
丁竹君(国画)蒋昌忠(国画)杨坤炳(书法)汤 立(国画)詹志峰(国画)
周石峰(国画)金伯兴(书法)罗国士(国画)李乃蔚(国画)吴庆林(国画)
施江城(国画)汪国新(国画)强 琼(国画)赵正有(书法)
河南省:
张清渠(国画)朱法鹏(指画)李自强(国画)刘均威(版画)王敬平(国画)
申志华(国画)刘万林(国画)黄志生(国画)柴建方(书法)马跃华(国画)
李菊英(国画)马万里(书法)
安徽省:
柏龙华(水彩)王大仁(水彩)章 飚(版画)朱宝善(国画)马自强(国画)
叶森槐(国画)刘夜烽(国画)陆鹤龄(国画)童乃寿(国画)刘恒昌(国画)
方贤道(国画)李 荫(国画)储昭生(国画)吴其勇(国画)程宏月(国画)
湖南省:
徐楚德(书法)杨福音(国画)李 潺(书法)曹明求(工笔)聂干因(国画)
刘 云(油画)邹传安(工笔)雷 双(油画)刘大明(书法)郭 关(国画)
莫克展(国画)钱海源(雕塑)何满宗(书法)雷宜锌(雕塑)陆满松(国画)
邹传安(工笔)曹湘秦(国画)刘华先(国画)汤晓群(油画)周觉钧(国画)
石志文(国画)姜 堃(国画)姜 坤(国画)李 早(书法)顾亚龙(书法)
谭涤夫(油画)沈利萍(国画)
河北省:
康连顺(油画)李秀锋(国画)赵振川(国画)张济海(书法)
吉林省:
叶天废(国画)关 鉴(国画)李广滨(国画)宇文洲(国画)梁 岩(国画)
朱嘉凡(油画)马云涛(工笔)张鸿飞(国画)王云鹏(油画)孙维国(国画)
孙云天(国画)路燕斌(国画)朱嘉凡(油画)
9,求。世界名画鉴赏 1500字左右。。。最好是油画,
你可以试下《最后的晚餐》这副作品是意大利伟大的艺术家列奥纳多·达·芬奇所创作
《最后的晚餐》(约1498)(壁画 460 x 880 厘米)
达芬奇于1495年接受了米兰.圣玛利亚·格雷契修道院的订约,开始创作《最后的晚餐》壁画,直到1496年才告完成。
达芬奇站在新时代的前列,赋予这一传统宗教题材以新的思想和境界,在神的形象中挖掘和表现了人的心理和情感,高度体现了文艺复兴的进步的时代精神。
《最后的晚餐》是表现耶稣已经知道自己的不幸将临时,在与门下众弟子共进最后的晚餐宴席上,宣布说;“你们中间有一个人出卖了我”,这句话刚说完,就在十二个门徒中引起了极大的震动。画家着意刻画弟子们瞬间所表露出来的极其复杂的、各不相同的心理反应。画家赋予画中每个人物以鲜明的性格气质,紧紧扣住每个门徒对基督的话做出明白的、毫不含糊的表态。这个场面就好像在一池平静的水面上投掷一块石头所引起的那愈来愈大的波纹浪图一样,在此之前是十分平静的晚餐,突然引起巨大的波动,门徒中每个人的动作、手势及面部的表情所传达出来的是微妙的因人而异的心理差别和变化。
全画总共十三人,基督居于面面中间位置,其余十二个门徒分四组平均对称排列左右,这些组合是由每个人的心变化和感情联系自然结合在一起的,画中人的情绪造成画面的气氛有动有静,有声有色。画家运用造型艺术的手段使画中人和欣赏者的感情紧密联系在一起,我们如果来探究一下画幅中每个人物的性格和情绪发展是很有意思的。请看:基督在说完“你们中有一个人出卖了我”这句话以后。神色镇静而又慈祥,很自然地摊开两手,微微低垂着头,毫无恐惧之色,为刚才所说的那句话似乎还有点不甚感慨之情;门徒中反应强烈、显得特别激动的是坐在基督左手边的那一组三个人,他们各具有一个表达情感的动作。我们首先看到的是年轻的、具有火爆性格的菲利普突然按捺不住地从座位上跳了起来,带着不可捉摸的疑问转向基督,想弄清楚这到底是怎么回事,他用手捂着胸口,欲向基督表白自己对老师的真诚与纯洁,那个老雅各极度愤慨,用力地摊开双手,身子因失去重心而稍向后仰,好像在向同伴表示:我实在不知道,竟然出了这么大的事,简直不可思议;在他们后面站着的是多马,他尽量按下性子,向基督举着食指向上,哆嗦的说出“真的?天晓得,事情怎么会是这样?”他实在弄不清楚刚才发生的事情。在靠近基督右边的一组三个人中充满着一种复杂情绪,显然处于克制状态。那个告密的叛徒犹大就在这一组里,当他听了基督的话以后,做贼心虚地急速扭动身子,惊恐万状的想远离老师,并且慌忙地握紧告密所换来的钱袋,战栗而极端害怕地斜视着威严的基督,他阴沉而丑陋的,又显得特别粗鲁的脸皮,被善良貌美的约翰和坚强勇敢的彼得面孔衬托,对照得更加鲜明突出,约翰优柔地把头垂在一边,搭拢双手,神志焦虑,不知如何办是好,在倾听彼得细言。彼得的头在约翰和犹大之间显得特别突出,他勃然大怒地站起来弯身前倾向着约翰,并把左手按在他的肩头,紧贴耳边,似乎在低声讯问约翰:“你知道是谁出卖了我们的老师吗?”此时他的左手还紧捏着—把刀,好象正在表示,要是我知道是谁告的密,一定要亲手杀死他,来为我们的老师报仇,这是一个急性而富有正义感的人。在靠近彼得右手边一组是张开双手的、显得震惊而又沉着的、上了年纪的巴多罗迈,他的手势似乎表明要大家不要惊慌,他自己严肃而冷静地凝视着基督,在这危急关头想拯救老师。搂住巴罗多迈的是小雅各,他紧张地望着基督无能为力。站在桌子顶端的、身强力壮的是安得烈,他扭身向前,颇有冲上前去之势,这一组的三个人都凝神注视着基督,把欣赏者的视线完全引向了基督。最左面一组的另外三个人是达太、西门和马太,马太虽然脸向左边的老达太,可是双手却伸向基督,好像在讯问有经验的老人,刚才老师讲的话到底指的是谁呢?从老达太摊开的双手看,表示自己也正为这件突如其来的事纳闷,好像在十分疑惑地告话他。我真的什么也不知道。西门也在苦苦思索这从天而降的大祸,但是毫无结果。到此为止,画里十三个人的外貌,情绪和性格特征,活灵活现地印入我们的脑子里,观赏画的人好像随画中人经历了这一严重时刻。这是一群典型的人物,具有典型的性格,处在典型的环境中。画面具有戏剧冲突的舞台艺术效果,它是一幅具有划时代意义的情节性历史画,这个题材曾为达芬奇之前的不少画家所描绘过,但唯有达芬奇的《最后的晚餐》为空前的杰作。
《最后的晚餐》在艺术形式的处理上也是极为完整和成功的。画面的构图并不复杂,基本上是在一直线上穿插变化的,因此总的是在单纯中见丰富。大师把十三个感情激荡的人物有机地组合在一起,既有区别又紧密联系,既突出了基督的主要形象,又层次分明地刻划出每一个人的外貌和性格特征,高度地概括又深刻地揭示了这一戏剧性的场面。画家尽可能地调动了一切艺术手段,着意表现出耶稣的临危不俱、神态自若。大师把耶稣安排在既是画面小心、又是视觉中心的位置上,用背景中大门的透光,更加清楚地衬托出耶稣的形象,并且有意识地把两侧的门徒和耶稣分开,初看似乎耶稣很孤立,实际上内在的情绪和感情,以及事件把他和门徒始终紧密联系在一起。一切都以耶酥为中心:画中的餐桌,墙壁门窗和天花板的处理取平行透视;都集中而消失在基督的形象上;这一切很自然地把观众的视线首先吸引到基督的身上。画家将十二个门徒三人一组平均对称地分配在基督的两边,以其各自的动作和表情与基督发生联系和呼应。整个环境和道具的处理比较单纯,为的是更加突出激动的人物,这些独具匠意的艺术处理,使艺术语言显得高度精炼。达到炉火纯青的境界。
绘画是空间静态的艺术,它不可能像小说和戏剧那样,把事件和复杂的情节、人物的性格和情绪的发展变化细致而深刻地一一告诉观众,只是靠一个静止的瞬间形象,去揭示变化和发展着的生活。为了刻画人物的性格和变化着的思想感情,画家必然要设法抓住能显示画中人内心活动的外部特征,即对人物的动态和面部表情加以塑造,通过可视的形象,使欣赏者产生符合画家创作意图的联想和想象,从而理解这个瞬间的前因和后果。因此,虽然都是静止的人物,但能表现出巨大的生命力,静中求动。画家为了获得这种艺术效果就必须精心地为自己的主题,情节选择一个环境,运用典型人物的动作和表情去表现具有个性特征的人物,清楚地表明画家打算告诉观众的一切方面,使处于静态的画面成为一出剧的缩影,这应该是情节性绘画所要追求的最高境界,这样的作品才能打动观众的心,耐人寻味,发人深思,在这方面达芬奇的《最后的晚餐》为我们树立了光辉的典范。
达芬奇的创作达到如此高的成就,与他辛勤的艺术劳动是分不开曲。他的创作态度极其认真严肃,他为《最后的晚餐》化费了巨大的心血和劳动。他在创作之前的准备工作做得周详而细致,画了大量的速写,构思时进行深思熟虑的推敲,他深入地研究每个登场人物的动作表情,并为每个人规定了行为举止的意图。在他为这幅画所作的笔记中写道,“一个人饮了酒并把杯子放下来,把头转向说话的人,另一个人合拢双手的手指,眉头紧皱,看着自己的同伴,又一个人伸出两手的手掌,把肩耸到耳边,嘴上显得惊奇的样子……”。在这些笔记中虽然没有注明门徒的名字,但据分析看,达芬奇在创作想象中对于具体地塑造每个门徒,已经作了严格的选择和规定,基本上根据每个门徒的性格特点和外貌特征,设想和规定了他们各不相同的行为,以及在整个构图中所占的地位。这些明显的意图在他遗留的一些速写中比较清楚地反映了出来。因此我们现在所看到的画幅中每个人物都有与自己身份相适应的动作和表情。
达芬奇在创作《最后的晚餐》的过程中,他的工作作风是既严肃认真,而又富有情趣。他对自己的艺术语言的运用极为慎重。有时候他长时间地站在自己的画前沉思,停笔徘徊许久。据说这使不懂艺术的寺院院长十分恼火,竟然无理责难达芬奇是有意怠工拖延时间,并且打算催促他一刻也不要停笔作画。他自己不好意思去催逼达芬奇,便不断地在他的总管面前唠叨,要他去找达·芬奇谈谈为什么总是站着不动笔,总管没有办法,只好硬着头皮用委婉的方式,转弯抹角地示意大师快点作画,并且尽量让达芬奇理解这不是他的本意,而是院长的旨意。大师并没合生总管的气,还和他就画的艺术性问题进行了一般性的交谈,最后向他严肃地表示,自己将会很快完成这幅壁画,目前只是剩下两个人额头需要刻画,一个是基督,另一个就是叛徒犹大。基督的头像问题不大,很快就可以完成,最后关于犹大的模特儿还需要寻找,如果实在找不到适当的模特儿的话,他准备就利用这个令人讨厌的、粗暴而无知无识的院长的头去填补。这席话引起了总管的同情和好笑,他会意地告诉芬奇,“大师的话是百分之百正确的,他本人完全理解”。自此以后,那个可怜又可鄙的僧院长终日坐立不安,再也不敢来打搅大师的工作了。传说公爵莫罗殿下来看定稿的《最后的晚餐》时当看到犹大的面孔时忽然笑了起来:“犹大!简直和修道院院长一模一样,他不给你安宁,他妨碍你的工作,你非常巧妙地报复了他让他永远留在这张桌子的后面吧。正好,他那样贪婪地把钱袋抓得紧紧的,舍不得花在自己修道院的孩子们身上。由于他的吝啬,教士们吃够了苦头。”我们现在看到画面上面那个犹大的头,实在是反映出一个可耻叛徒的丑恶形象,也是对残酷无情的小人的真实写照,使观赏者望而生厌。
五百年过去了,这位文艺复兴时期的天才“巨人”的伟大作品,对于我们中国的画家和观众,仍然具有极大的魅力,艺术是人类共有的精神财富。《最后的晚餐》这幅画虽然歌颂的是基督教的主题,我们并非赞美基督教的精神的伟大。但画家笔下所描绘的不是神而是人,是人类社会中真、善、美的化身,是人类善恶的对比写照。大师所歌颂的不是神的力量,而是人的善良、正义的美德;斥责的是卑鄙和丑恶的叛徒行为。因此,这件杰作在历史上永远是不朽的,它不仅属于意大利人民,也属于全世界的人民。
10,求世界名画鉴赏1500字左右的论文
资料是构成论文写作的基础。在确定选题、进行设计以及必要的观察与实验之后,做好资料的搜集与处理工作,是为论文写作所做的进一步准备。
论文写作资料可分为第一手资料与第二手资料两类。前者也称为第一性资料或直接资料,是指作者亲自参与调查、研究或体察到的东西,如在实验或观察中所做的记录等,都属于这类资料;后者也称为第二性资料或间接资料,是指有关专业或专题文献资料,主要靠平时的学习积累。在获得足够资料的基础上,还要进行加工处理,使之系统化和条理化,便于应用。对于论文写作来说,这两类资料都是必不可少的,要恰当地将它们运用到论文写作中去,注意区别主次,特别对于文献资料要在充分消化吸收的基础上适当引用,不要喧宾夺主。对于第一手资料的运用也要做到真实、准确、无误。
11,求一篇一千字左右的戏曲欣赏论文
悲剧艺术是一种崇高的艺术形式,以其哀伤的叙事情节和悲愤的情感震撼人心。而中国悲剧艺术独特的文化视角,向人们展示了悲剧艺术的鲜明特征,它唤起人们对正义、崇高、良善的心理认同,激发人们对审美价值和人生价值的深沉思考。
悲剧艺术从广义上讲,就是以悲剧故事为体裁的艺术形式;从狭义上讲是一种特殊的民族艺术。不同的民族和国家由于政治经济、历史条件、民族性格、文化素质、道德观念、审美情趣等的各异,会形成各自不同的艺术特征。在我国,关于“悲剧”一词,据考证直至晚清时才偶然在一些文论中出现。而古代文学往往把那些悲惨之作称为“怨谱”或“哀曲”;在民间,老百姓则称之为“苦戏”,这可以视为中国悲剧艺术的最初形式。
从一定意义上讲,悲剧艺术是有明确的文化理想和价值目标的;反映的是人们在对苦难命运具有大致认同的基础上,怀着悲壮的豪情践履自己使命的情操。那些悲剧人物往往不畏险恶,甘愿为承担时代的苦难而付出,甘愿将其牺牲纳入道德的谱系中,牺牲者并因此获得精神的永生。同时,由于社会分为不同的政治集团、不同的结构层次,这种道德追求和社会评价的标准也会各不相同,而道德标准的异化也会滋生痛苦哀伤的情愫,因此而在艺术形式中表现出来。也就是说,道德生命同样会喷发出情感的岩浆,从而凝铸成悲剧艺术的基石。
中国悲剧艺术的艺术特征
在各种不同类型的悲剧艺术中,悲剧人物的人格形象,是伴随着悲伤苦难而逐渐在大众审美过程中被不断接受和确立的,正因为这个原因,悲剧艺术才总是有一种英雄的壮丽色彩,而在人们的情感反应中,也总是带着惊奇和赞叹的成份。悲剧艺术强调群体与个人二元价值的弹性选择,悲中有怨,怨中有悲,呈现出价值评判式的矛盾冲突的展示方式,从而构成中国悲剧艺术的独特模式。
一、叙事的冲突性。歌德说:“悲剧的关键在于冲突得不到解决,而悲剧人物可以由于任何关系的矛盾而发生冲突,只要这种矛盾有自然基础,而且真正是悲剧性”。如梁祝的故事不仅感动了一代代少男少女,而且也令许许多多的成年人为之伤感。人们如今已经习惯将这个故事界定为“悲剧”,称其为中国的《罗密欧与朱丽叶》。梁祝的故事充分体现了悲剧艺术的特征,即人类情感的必然要求和这个要求实际上不可能实现之间的悲剧性的冲突。归结起来悲剧艺术的根本特点主要有两点:一是冲突的不可解决性;二是悲剧冲突引起人们的怜悯、同情、哀怨甚至焦虑、孤独、崇高、毁灭、死亡等情感体验;这些悲剧冲突的体验形式共同渗入作品之中,使作品的悲剧性在不同层面的体验之中显现出来。如《汉宫秋》以表现汉元帝与王昭君的爱情冲突为主线,同时,爱情线索与政治线索之间的冲突也以悲剧的形式表现出来,伴随爱情与政治线索之间的冲突便是怜悯和恐惧。因此,随着剧情的发展,到冲突的加速,作品呈现出了完整的悲怨情感的体验形态。对于悲剧冲突来说,由于其主要在于展开苦情的冲突历程,追求剧情的曲折性,即善恶、忠奸、正邪、美丑的多层次冲突,所以,得到的是悲愤激烈、凄惨的苦情审美效果。
二、审美的情感性。悲剧艺术鉴赏是一种审美情感,因而悲剧艺术的怜悯也是一种审美同情。悲剧艺术除了能唤起人们的怜悯外,同时能唤起人的情感。也就是说,我们欣赏悲剧艺术时,就好象观看一场大风暴。我们先感到的是,面对某种压倒一切力量的那种恐惧,然后那令人畏惧的力量又将我们带到一个新的高度,在那里我们体会到平时在现实生活中很少能体会到的活力,它在征服我们和使我们感到敬畏之后,又会使我们振奋鼓舞。欣赏者欣赏悲剧艺术时,随着故事情节的不断深入,会与主人公达到同呼吸共命运的共鸣境界,使人们感到振奋,产生快感。
三、题材的国民性。从悲剧意识上看,作为中国最著名的爱情悲剧《梁山泊与祝英台》,与在西方同样著名的《罗密欧与朱丽叶》所刻画出的国民性就不同。两者结局虽大同小异,主人公最终殉情,但反映出的两位作者的悲剧意识及其所体现的文化底蕴却“大相径庭”。中国的“梁祝”最后终于“化蝶双飞”,是一种凄美的结局,更体现了一种“神往”的祝愿。而西方的“罗朱”最后的结局很平凡,也很实在,是一种值得人信服的结局,因而给人以巨大的冲击与震撼。中国悲剧艺术所表现出的悲剧结局和西方不同。西方悲剧的结局意在普遍引起人们的怜悯与同情,甚至恐惧,使人们的思想在悲剧冲突中得到提升。而中国悲剧艺术并不重视悲剧结局引起的人们的种种情感体验,它不主张人性在悲悯中得到净化,而总是在悲剧事件结束之后,又续接一段体现剧作家或观众的理想愿望的情节,使悲剧冲突得到淡化,理智地去调控由悲剧冲突引起的情感体验,使之渐趋平缓,并获得心理上的满足与精神上的安慰,这不仅符合“中和之美”的美学原则,也符合中国大众传统的文化习惯和民族心理,正如近代国学大师王国维说:“吾国人之精神,世间的也,乐天的也,故代表其精神之戏曲小说,无往而不著此乐天之色彩;始于悲者,终于欢,始于离者,终于合,始于困者,终于享”。①
中国悲剧艺术的大众审美价值
大众审美价值总是从具体而多样的艺术现象中“提取”出来的。在不同时代,不同国度,艺术现象不同,审美价值就可能体现出明显差异。悲剧艺术随着故事情节的展开,从对人性的透视和人类价值的评判中,来达到心灵共鸣、精神启迪的作用。
归纳起来,中国悲剧艺术的审美价值主要表现在以下几个方面:
一、理想之美。亚里士多德最初在解释悲剧时指出:悲剧是人生中严肃的事情,它不是悲哀、悲惨、悲痛、悲观或死亡、不幸的同义语,它与日常语言中的“悲剧”一词的含义并不完全相同。所以作为美学对象的悲剧艺术,必须是能够使人发奋兴起,提高精神境界,树立对幸福人生的理想。悲剧艺术通过丑恶对美好的暂时的一种压抑,来强烈地展示美的最终和必然的胜利。实际上,悲剧艺术所显示的审美特性必然展现出一种对幸福理想之憧憬,更具有震撼人心的力量。在悲剧艺术中,人们面对失败的惨象,却有胜利的感觉。那是艰苦卓绝的斗争后的失败,而不是怯懦者的屈服投降。因此,对悲剧艺术来说关键的不仅是巨大的痛苦,而且是对待痛苦的选择方式,没有对灾难的反抗,也就没有悲剧艺术。引起人们快感的不是痛苦和灾难,而是反抗精神和对未来美好的执著追求。
因此,悲剧艺术在无意间产生出合乎道德理想的深远影响。因为理想之美受到摧残时,又导致其被压抑的情感得以反弹,使人们从悲剧人物的苦难和毁灭中认识到真理,它能唤醒人们,鼓舞战斗,从而使人们的道德情感得到陶冶。
二、道德之美。亚里士多德在谈到悲剧的道德作用时认为,悲剧激起哀怜和恐惧,从而导致这些情绪的净化,人受到净化后,就会感到一种舒畅的松驰,得到一种无害的快感。亚里士多德的净化说带有社会的道德的思考。可以说,古往今来,没有一个真正的悲剧作品不与道德有关。悲剧艺术具有道德教化的典型意义,藉此可以获得良好的道德启迪,有效地提升人们的道德情操。关汉卿的《窦娥冤》曾被国学大师王国维称作“列之于世界大悲剧中亦无愧色”的悲剧艺术名作。对其主要人物窦娥的形象,人们普遍认为在她身上体现了对黑暗社会勇敢反抗、宁死不屈的斗争精神。但在今天看来,这个人物悲剧性格的完成,除了自身的生命要求遭恶势力压抑迫害所致外,也并不排除传统伦理道德产生的负面影响。这从她对妇女改嫁的态度和拒绝张驴儿逼婚的描述中可以体会出来:“日恩忘却,新爱偏宜;坟头上土脉犹湿,架儿上又换新衣。哪里有奔丧处哭倒长城?哪里有浣纱时甘投大水?哪里有上山来便化石?可悲可耻!”在这里,封建伦理倡导的“从一而终”的妇道成了女主人公抗暴的唯一武器,而促成窦娥悲剧的传统伦理道德在作品中却贯穿始终,这也是中国传统悲剧艺术不可避免的时代局限。
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中世纪的哥特式
内容摘要:
哥特式建筑是哥特式艺术的显著方面,成功地将基督教的精神与建筑结构技术的探索结合起来,在建筑高度、垂直空间和框架结构的强度等方面都达到了一个新的高度,构成了世界史上辉煌的篇章。
关键词:哥特式艺术——建筑
对于大多数人来说,“哥特式”一词大概还是相当陌生的,但若提起巴黎圣母院,恐怕就很少有人回摇头了。根据法国著名作家雨果的同名小说《巴黎圣母院》改编的电影,令那座美伦美奂的大教堂的形象在人们心中深深扎下根,巴黎圣母院建于12世纪后半叶,它所代表的建设样式在艺术史上被称为“哥特式”。
每一个伟大的文明都有代表自己最高文明成就的造型艺术纪念碑。作为“信仰的时代”,中世纪亦有自己的纪念碑,那就是哥特式教堂。然而,“哥特式”一词最初却是作为一个贬义词出现的。瞻望“罗马昔日之壮观”,以古典文化当然的继承者而自居的文艺复兴时期意大利学者,在用“哥特式”一词描述中世纪晚期盛行与阿尔卑斯山以北的建树式样时,事实上将其用做了粗鲁与怪诞的同义词。需要说明的是,意大利人所谓的“哥特式”建树与历史上的哥特人并无直接联系。今天,人们对哥特式艺术的成就已作出了全面而公正的评价;与此同时,作为一个约定俗成的风格术语,“哥特式”一词已不带有任何褒贬色彩了。
哥特式艺术是中世纪的基督教文明臻于成熟之际在视觉艺术领域接触的硕果,它亲历了中世纪的巅峰期与衰退期,并直接孕育了文艺复兴艺术。基督教仪式传统最高成就的代表便士哥特式艺术。
哥特式风格涉及中世纪晚期几乎所有的造型艺术品类,除了所谓纯艺术领域的建筑、纪念性雕塑和壁画、木版画之类传统意义上的绘画,还包括镶嵌彩窗工艺雕塑、书籍装帧和织毯设计等。尽管建筑、雕塑与绘画领域中的哥特式风格均曾在特定的时期内形成或接近于形成当时西方世界的国际样式,但在艺术史的时空构架里,我们看到,哥特式风格在不同地域内发展与演进是极不平衡的。一方面,哥特式时代,站在造型艺术领域风格变革最前沿的,先是建筑,尔后是雕塑,最后是绘画。1150年至1250年是西方中世纪艺术史上的“大教堂建筑时代”。综观整个哥特式艺术史,造型艺术的美学追求从建筑性逐渐转向了绘画性。另一方面,具体到建筑、雕塑和绘画各自领域里的哥特式风格,这样一个现象是十分引人注目的:哥特样式的国际性传播与地方性演化并行不悖。总而言之,我们在研究哥特式艺术史的时候,必须同时考察时间与空间的维度。因为就哥特式风格而言,任何意义上的单一发展进程都是不存在的。
哥特式艺术的主要成就就在于建筑。哥特式建筑是在罗马式建筑的基础上发展起来的。所不同的是,哥特式教堂是建在有城墙保护的城市中,它已不再具有罗马式建筑那样的城堡式功能,而需要更宽阔、更高、更明亮的内部空间。哥特式建筑师在结构技术上的革新解决了这个问题,使教堂在高度、内部空间和采光等方面有了新的突破。哥特式建筑师最重要的兴奋点在于尽力寻求高度上的发展。1194年,沙特尔大教堂在火灾之后进行了重建。新建的中殿没有了楼廊,低狭的暗楼挤在又高又瘦的高侧窗和底层连拱廊不再采用圆柱,垂直附柱一贯到底,将地面与拱顶连在一起,一簇簇肋架卷从集束柱顶端散射开来,整个构造就像从土地中长出来的一样。法国学者把哥特式教堂比做“建造起来的森林”,原是不错的。这里几乎没有墙面。结构框架裸露在外,密集的垂直线排向中殿深处,筋骨嶙峋的教堂内部给人一种十分峻峭清冷的印象。从身边的柱基到头上的拱顶,再到对侧的柱基,人们的视线在循着石头的线条流转的过程中不会碰到任何障碍。这线条一方面发挥着明确建筑物构筑关系的作用,另一方面又充当了教堂“天然”的装饰。应该说,在沙特尔大教堂的内部,结构要素与装饰要素是二位一体的。随着沙特尔大教堂的重建,哥特式建筑样式迈进了一个新的发展阶段:盛期哥特式登上了建筑史的舞台。沙特尔大教堂上述设计在兰斯大教堂和亚眠大教堂的重建中得到了进一步的改进与发挥。兰斯大教堂的建筑师认识到了窗子在新设计中的特殊重要性,他们在建筑史上首次采用了条格式窗花格。这是窗子内精致的石制分隔物,随着时间时间的推移,哥特式建筑中的窗花格将获得惊人的复杂性。事实上可以说它是一个特例,因为我们在建筑史上找不到它设计上的同道或继承者。当然,这并不说明它不是一件杰作,只是它所给出的方案未曾流行而已。
哥特式建筑样式诞生之后,并没有立即扩展到法国境外,至少,它没有导致罗马式风格的骤然终止,甚至在法国境内亦是如此(法国南部在12世纪下半叶还发展了罗马式的普罗旺斯学派)。应归入罗马式的建筑采用了某些哥特式装饰构件,这样的情况比比皆是。英格兰是最早接纳哥特式样式的国家。在这个岛上,罗马式建筑的兴建在整个12世纪从未间断。第一个纯粹的哥特式建筑作品是坎特伯雷大教堂的唱诗席。它是在1174年的火灾之后由法国建筑师桑斯的威廉和他的继任者英格兰人威廉负责重建的。该建筑在设计上自然不免有迁就当时的英国趣味之处,高侧窗通道便是一例,大量使用墨色的附柱与小圆柱则为后来的英国哥特式建筑树立了一种时尚。在林肯大教堂和索尔兹伯里大教堂中我们看到,黑色的附柱与小圆柱同用灰白色石灰石修造的大教堂其他部分之间对比。那个时代的英国人似乎对线形装饰格外敏感,他们总是在拱卷上、连拱廊内及墩柱上使用大量符合线脚,还特别偏爱成簇的附柱。后来他们又发展了拱顶的外观形式——利用非功能性的枝肋在拱顶上“结”成各式复杂的图样,以制造华丽丰富的装饰效果——当然,这一发展是在哥特式建筑史的晚期实现的。
13世纪下半期,法国的哥特式建筑在大圆花窗中采用了杆状窗花格组成辐射状的条状。建筑的墙壁变得很薄,几乎完全由玻璃窗组成,仅有细长的小圆柱隔开建筑物装有玻璃的面,哥特式建筑变得越来越像一具石头的骨架结构了。受辐射式风格的启发,英国建筑师发展了晚期哥特式风格具有高度创造性地变体——所谓的垂直式风格。该风格起源于伦敦。在英国“装饰风格”的影响下,15世纪早期,法国出现了哥特式史上最后一个风格类型——火焰式。该建筑风格得名于建筑物墙面、尖塔和门廊(尤其是门廊)部位那种“闪烁摇曳”和火焰状的曲线装饰。从辐射式到火焰式,随着教堂建筑在装饰上日趋繁琐、堆砌,哥特式建筑样式终于无可挽回地失去了它早年的理性色彩。结构与装饰彻底分离了,事实上,建筑物的结构要素逐渐消失在装饰要素下面。哥特式建筑样式就这样跨越了它自身的逻辑规定。
拉恩大教堂对高度的征服。
拉恩大教堂是早期哥特式建筑的优秀实例。它始建于1155年,但建筑时间持续了半个世纪,直到13世纪初方告竣工。拉恩大教堂是与巴黎圣母院齐名的早期哥特式建筑的杰作。它有明显突出的交叉廊,除了西立面之外,交叉廊的南北两个立面分别建有双塔,中厅和侧廊的交叉部位也有巨大的采光塔。1220年完成包括双塔在内的西立面,不久后又增建了原设计所没有的飞拱。在南北双塔上又把西侧的塔加高了,大约在1230年以前完成了中央工程。
巴黎圣母院:飞翔的翅膀
圣丹尼斯教堂的建筑很快影响到周围的教堂,巴黎圣母院就是在它的直接影响下完成的,巴黎圣母院建于1163年,是早期哥特式最宏伟的典范。巴黎圣母院的不同凡响之处是它巨大的规模和它的设计的优美均匀,以及新的飞拱的采用。
哥特式的巅峰之作
13世纪是哥特式建筑的成熟时期。随着对高度的征服,建筑师获得了透彻的工程学方面的专业知识,他们琢磨了建筑的比例,给与建筑物更高大的外形,更和谐完美的结构,更宏伟庄严的空间效果。
从技术角度上讲,哥特式结构体系的出现标志着西方建筑史的一次重大飞跃;就美学特征而言,哥特式建筑轻盈剔透、欲飞欲动,垂直方向的线条统领着所有的细节。
有的学者把哥特式风格称为石块组成的经院哲学。德国美学家沃林格认为,哥特式大教堂结构中的纯机械力的运动展现了基督教神学精神向抽象物上的移情功能,在哥特式教堂内,我们会感到一种不断增强和不断上升的、不安的、未获解救的努力,把自身不和谐的心理推向了一种极度的迷狂、一种骚乱的升腾。哥特式建筑成功地将基督教的精神与建筑结构技术的探索结合起来,在建筑高度、垂直空间和框架结构的强度等方面都达到了一个新的高度,构成了世界史上辉煌的篇章。
艺术的价值,在于打碎现实日常生活的单调、枯燥和沉闷,是逃脱现实世界最好的方法之一。当然它也是我们同人生世界发生紧密联系最有效的方式之一,哥特式艺术处于开放的文化关系中,深深根植与社会社会历史与文化中…
其实我们每个人都可以艺术地甚或在这个世界上,随时随地见出世界的诗意结构。
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绘画不是摄影。照片是原封不动地反映外在世界,每一个细节,不管放大多少倍,都绝对真实,都忠于生活。而一幅好的画,却能做到高于生活,用独特的表现手法,经过观众自己视觉的参与,更加栩栩如生,更加活灵活现。这就是我们常说的,不求形似,而求神似。 这一切都起源于莫奈,他不愧为印象派之父,首先把自然的真实性降低于色彩表现形式之下,把理想化的主题排斥在绘画目的之外,他为着运用色彩去作画。从此艺术不再是描绘对象的附庸,而有着独立的品格和自主的权利。印象派解放了色,莫奈是一个善于运用色的大师,不既如此,他还是一个善于运用光的大师。 克劳德·莫奈的名字与印象派的历史密切相连。莫奈对这一艺术环境的形成和他描绘现实的新手法,比其他任何人贡献都多。这一点是无庸置疑的,印象派的创始人虽说是马奈,但真正使其发扬光大的却是莫奈,因为他对光影之于风景的变化的描绘,已到走火入魔的境地。 他对光色的专注远远超越物体的形象,使得物体在画布上的表现消失在光色之中。他让世人重新体悟到光与自然的结构。所以这一视野的嬗变,以往甚至难以想象,它所散发出的光线、色彩、运动和充沛的活力,取代了以往绘画中僵死的构图和不敢有丝毫创新的传统主义。 莫奈的创作目的主要是探索表现大自然的方法,记录下瞬间的感觉印象和他所看到的充满生命力和运动的东西。曾长期探索光色与空气的表现效果;常在不同的时间和光线下,对同一对象连续作多幅描绘,从自然的光色变幻中抒发瞬间的感受。不注重对象的明晰的立体的形状。 《日出 印象》 1874年3月5日,印象派画家们第一次在法国联合举办了这次画展,莫奈展出了这幅画。 《日出 印象》描绘的是,莫奈描绘勒阿弗尔港口的一个多雾的早晨的景象:海水在晨曦的笼罩下,呈现出橙黄或淡紫色。天空的微红被各种色块所渲染,水的波浪系幅度厚薄、长短不一的笔触组成的。三只小船在薄涂的色点组成的雾气中显得模糊不清。船上的人或物依稀能够辨别,还感到船似在摇摆缓进。远处的工厂烟囱,大船上的吊车等等。这一切,是画家从一个窗口看出去画成的。如此大胆地用“零乱”的笔触来展示雾气交融的景象。这对于一贯正统的沙龙学院派艺术家来说,乃是艺术的叛逆。 《日出印象》这幅油画是阿拂尔港口早晨太阳的光芒笼罩的瞬间,画家以独特的视觉审美快速地对天空云雾的变幻、对河水波光淋漓的颤动予以特写,笔触飞动、富有节奏的跳动,一边跳动一边快速寻求空气中尘埃和水气对光的反射色彩,色彩在瞬间即区别又融会交合,天空中从雾中穿透出来的红彤彤的太阳仿佛真的是从很远的天际中射过来的,画面在融合中最终天水合一,气势渲昂,画家表现水纹的速度使你感觉他可以追得上水波纹颤动的速度,我们可以想象他当时的激情和专注程度,而有意义的是这个港口被画家就这样神秘地放在了水中和雾气中了,使观众想看又看不清楚,但你从雾中似乎能够清楚地知道那里有一个繁华的港口、并且正在发出各种喧嚣的声响。河面上两只缓缓的小船,也正在准备加入那喧嚣之中,小船的匆忙引得河水中水波涟漪,扰得阳光的投影在河水上面大大地摆动起来了,犹如少女含羞的裙纱,扑朔迷离、婀娜多姿、翩翩起舞,使画面上有一种强有力的生命鲜活地脱颖而出。画面上一改当时学院派的严谨、规范及对构图的讲究,他只热爱自然,取法自然,他根本不买学院派任何理论的帐,在他的这幅画里没有任何详细的线条和造型。 有些东西不是学习就可以会的,很多时候我们经常发现科学还解释不了许多现象。莫奈的这种天赋般的观察速度和灵敏的对色彩的穿透能力,只有存在于他的大脑,是莫奈独有的智慧才华,即使有些画家明白其中的用色的奥秘,依然无法成为他的眼睛和思维。所以,在众多的印象派画家中,领导的地位是无形之中非他莫属的了。在每一个时代,当历史需要有一个人出来划时代的时候,总会有这样奇迹般的才人涌现,而且以势不可挡的姿态呈现。与之相对应的,也总要有一个小人同时出现,才能成就这巨人的梦想。在这里,成就莫奈扬名于世的人就是当时在美术杂志上讥讽他的美术评论人勒鲁阿。历史验证了莫奈这幅《日出印象》是划时代意义的,历史也验证了美术评论家勒鲁阿是多么的浅薄和附庸。所以不是划时代的人,硬要努力掏钱买个炒作,充当化时代者,当历史的车轮滚过来时还是会被时代压扁的。 画这幅《日出印象》时,是多么年轻!那幅勒哈佛尔日出景象的画作,曾遭到学院派画家大肆抨击,评论家讽刺“日出印象”不像真正的画,而称之为“印象主义”。“印象”这个贬低的词语,不久却传开,成为一个画派的称号。后来莫奈功成名就。 1883年,莫奈的作品在巴黎、伦敦、波士顿三地展出。这时印象派画家己渐受注意。1886年在纽约举行的画展,展出莫奈的精品45件,这是他生命上的转点:他的作品成为收藏家猎取的对象,自己也成为名人。1888年连法国也公开承认了他的地位,拟颁赠“荣誉勋章”给他,他忿然峻拒,绝不向传统低头。自此之后,印象派作品风魔了千百万人,大家不惜重金争购。而莫奈当初那一小幅倍受讥笑的海景《日出印象》已成为艺术殿堂的无价
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中国书画艺术,以期独特的艺术风格魅力而成为东方文明的辉煌典范之一,然而,由于它的历史、文化、社会背景与我们今天的实际生活有一定的距离,再加上不少作品在流传过程中受到多种因素的影向。如果不了解这些情况,在鉴赏书画作品的时侯,便无法把握它的艺术实质,如果想进一步对它的历史传承,真伪情况的判断,就会有无从下手之感。因此、掌握书画艺术欣赏是书画鉴定的重要基础之一。本文以欣赏和鉴定中国传统书画为主要内容,分段来介绍给广大网友,为网友提供在书画鉴赏时的一些方便。 欣赏书画艺术的基本方法 人们常说,书画欣赏是一种高级的精神享受 ,这是针对在欣赏书画艺术时所产生的一种心理变化的反应。因为在欣赏过程中,他将涉及到一些比较复杂的心理功能,如情感、想象、理解等等,而最终将期转化为对书画艺术的评价。这种评价,包括对作者艺术风格的理解和判断,对书画作品艺术特点的认识,以至对书画作品艺术价值的大致评估。而这些判断,认识、评估是在自已原有基础上的一种提升,从而达到一个新的艺术思想境界。这种高级的精神活动,是属于一种智力与知识的测验。也是欣赏者,通过对作品的欣赏,来达到对艺术作品的表达方式,和艺术思想的全面理解,如果从人类对艺术的感受来讲,它又是一种具有净化心灵、陶冶情操作用的精神享受。 中国书画艺术,同其他的造型艺术一样,其作品内容具有一定的说明性,而其表现手法则具有一定的装饰性,两者完美地结合在一起,就使作品产生了一定的艺术性。中国传统书画作品的内容,是产生于特定的社会坏境和文化背景中,因此,必然受到这些历史因素的制约,对于今天的观赏者来讲,要真正了解它,是有一定难度的。中国传统书画的装饰性,是依存于书画作的表现手法,主要通过中国书画所特有的多变的线条、点画、不同的设色、墨晕等等,来表现书画艺术的之美来感染欣赏者,而这些方面,虽无太多的历史局限性的一面,但也有受限于社会生活空间的一面。因此,我们今天欣赏传统书画的艺术,除了解其内容外,更多地是着重于这一方面。 通过欣赏可以了解作品的基本情况,包括所用的材料、使用的工具、笔法和设色的基本特点,但这只是对作品的“面貌”作一次大致的认识和了解,虽然这种认识和了解还很粗浅,却为进一步鉴赏打下了基础,这是很重要的“第一印象”作用。然后开始进入仔细观察、欣赏阶段。这是主要是对作品的表现手法、主题内容等进行仔细深入的分析,来获得对作品特点具体形象的认识和理解。接着是进入更深入的欣赏方法,这时要从以上对作品的认识理解中,继续寻找作品的表现手法与主题内容之间的有机联系,寻找书画家在创作中所流露的心境、情绪,及作品随之而体现的意境。这种欣赏,要求欣赏者调动多方面的知识、素养,由眼前的书画进而扩展到同一书画家的其他作品,或是其他书画家的类似作品,甚至是不同意境的作品,如此、都是对眼前这幅作品的特色和内涵的补充和深化。通过对作品的欣赏,来达到对作品的全面了解,同时为下一步的鉴定填定了基础。 艺术观点:艺术品被名家创作出来往往都经过一个复杂的过程,在这个过程中,名家们几乎投入了全部的精力,为了尽善尽美,他们废寝忘食。因此他们的作品更能让人产生共鸣,更能感动人,无论欣赏者从事什么职业,有什么样的背景,都会被作品中的艺术魅力所感染。 没有创新就没有艺术的发展,每个艺术家都有其自身的创作观和价值观,领悟和把握科学发展观,就是要树立独立思考深刻感受和执意创新的艺术信仰,并为之付出毕生的智慧、情感和力量。 艺术品市场不是艺术界,时于尚处初级阶段的中国艺术品市场,利大于艺的主导思想更多一些,因而在运作过程中作品本身的艺术价值演变成投资升值的借口也就不足为怪了。我赞同一位评论家的收藏结论———“从艺术角度我只选择值得收藏的作品,从升值角度我会首先选择购买其作品”。书画给人带来无尽的乐趣,书画作品给人一种艺术享受,更给人一种心灵的启迪和震撼,画广大人民群众喜欢的作品,做对人民有益的事情。欣赏书画可以提高个人的修养,书画家有发现美和创造美的技能,欣赏者要有领悟创作者心思的本领,艺术来源于生活,艺术家将我们司空见惯的事物,变作美妙的艺术,这中间付出了多少不为人知的心血和努力,真正懂得欣赏艺术的人,不会只看着它的价值有多少,最在乎它能否引起我们内心的共鸣。 以上供大家参考学习,望提问者采纳。
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书画给人带来无尽的乐趣,欣赏书画可以提高个人的修养,书画家有发现美和创造美的技能,欣赏者要有领悟创作者心思的本领,艺术来源于生活,艺术家将我们司空见惯的事物,变作美妙的艺术,这中间付出了多少不为人知的心血和努力, 真正懂得欣赏艺术的人,不会只看着它的价值有多少,最在乎它能否引起我们内心的共鸣.
量宏
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鉴赏达芬奇之《岩间圣母》
艺术是人类自我情操陶冶的良药,是感知生命中绚丽华章的剂方,人之所以为人,其最大特点在于人有一双发现美的慧眼。早在石器时代的远古,聪慧的祖先们便在陶器上绘上五彩的花纹,在历史长河的进程中,诞生出一颗颗璀璨的明星画匠,在群星闪耀之中,有一颗最为美丽的彗星,它的划过,照亮了时代之空。。。。。。
在意大利佛罗伦萨附近的海滨小镇——芬奇镇,有一个叫安奇亚诺的小村庄。1452年4月15日,伟大的画家莱昂纳多·达·芬奇就在这个美丽的地方降临人世。
列奥纳多·达·芬奇,作为意大利文艺复兴三杰之一,也是整个欧洲文艺复兴时期最完美的代表,是一位思想深邃,学识渊博,多才多艺的画家、寓言家、雕塑家、发明家、哲学家、音乐家、医学家、生物学家、地理学家、建筑工程师和军事工程师。他是一位天才,他一面热心于艺术创作和理论研究,研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题;另一方面他也同时研究自然科学,为了真实感人的艺术形象,他广泛地研究与绘画有关的光学、数学、地质学、生物学等多种学科。他的艺术实践和科学探索精神对后代产生了重大而深远的影响。
达芬奇兴趣广泛,涉猎甚广,在其众多佳作中,我最情有独钟的则是《岩间圣母》了。这幅画的主题是小施洗者约翰在圣母玛利亚与天使面前参拜基督,达芬奇将他们安顿在幽美神秘的岩石风景间,圣母、孩子和天使直接坐在山岩地上,渐浓渐淡的轻烟薄雾呈现出朦胧画意,整个景象如幽远的梦境。充满了诗一样的温情,祥和而且典雅:画中人物被一种刻意营造出的神秘气氛所笼罩,奇怪形状的悬石从湿漉漉的岩体上垂下,几丛花草从岩缝里穿凿而出,能辨别出鸢尾花,银莲花,紫罗兰和一些蕨类植物。远处蓝色的天空透过岩体之间的孔洞和夹缝呈现在人们的眼前,年轻的母亲以温柔的手搂抱着下跪的幼婴约翰,他的另一只手则向儿子伸过去,天使面向着观众,把他们引向画中,用手指示着这个场面。一连串手势代表保护、指示、祝福。。。。。。
在这种稳定和谐画面上,风景不再是简单的背景,逼真的景物环绕于人物四周,自然的和人物融为一体,这种真实感赋予画面一种别具一格的生动。以至于曾在一本书上看到,有人认为《岩间圣母》充满了暗示与象征,显示了达芬奇谜样的心灵,天使以明显的手势指着圣约翰有何含义?被圣母保护着的圣约翰是否代表人类需要圣灵的保护?而被描绘得像子宫般造型的洞穴,是不是暗示着生命的起源?。。。。。
这幅巨作无论在画面设计还是色彩搭配,结构建设还是背景绘制,都让人惊叹绝伦。色调上,全画是以棕褐色为基调的,圣母身上的深青与天使披风上的紫红、金黄和银灰色构成对比;耶稣与约翰的肌肤,与约翰的金黄色鬈发构成对比;洞穴外的风景表现了空气透视,众人物形成了金字塔结构,其顶端则是圣母的头部。天使的面容表达出了达芬奇的理想美,是散发自内心甜美的圣灵;将人物置于阴暗的环境中,以赋予光亮中涌现的景物真正的启示力量,这种崭新的绘画方式使人物、光线和“次要光线”交织在一起,画布上弥漫着浓重的宗教气息。。。。
总而言之,这幅巨作属传统题材,表达手法和构图布局都体现出了艺术水平之高深:人物,背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,令人为之惊叹,实在是名副其实的世界瑰宝!
后续:
第一次接触这幅巨作时我还是个懵懂小孩儿,但当打开画册的那一刻,我不禁仍被她的美所震撼。。。。。看来,艺术的美是超越了时间的界限,是唯物般永恒之美!